Art déco - Wikipedia

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Art Déco

Années actives	1910-1939
Pays	global

Art Déco, parfois appelé Décoest un style d'arts plastiques, d'architecture et de design apparu en France juste avant Première Guerre mondiale. L'Art Déco a influencé la conception des bâtiments, des meubles, des bijoux, de la mode, des voitures, des cinémas, des trains, des paquebots et des objets du quotidien tels que les radios et les aspirateurs. Il a pris son nom, abréviation de Arts Décoratifs, du Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Salon international des arts décoratifs et industriels modernes) qui s’est tenue à Paris en 1925. moderniste des styles avec un travail artisanal et des matériaux riches. À son apogée, l'Art Déco représentait luxe, glamour, exubérance et foi en le progrès social et technologique.

L'Art Déco était un pastiche de styles différents, parfois contradictoires, unis par le désir d'être moderne. Dès le début, l’Art Déco a été influencé par les formes géométriques audacieuses de Cubisme; les couleurs vives de Le fauvisme et du Ballets Russes; le savoir-faire actualisé du mobilier des époques de Louis Philippe I et Louis XVI; et les styles exotiques de Chine et Japon, Inde, Perse, l'Egypte ancienne et Art maya. Il présentait des matériaux rares et coûteux, tels que l'ébène et l'ivoire, et un savoir-faire exquis. le Chrysler Building et d'autres gratte-ciel de New York construits dans les années 1920 et 1930 sont des monuments du style Art Déco.

Dans les années 1930, pendant la Grande Dépression, le style Art Déco est devenu plus sobre. De nouveaux matériaux sont arrivés, y compris chromage, acier inoxydable, et Plastique. Une forme plus élégante du style, appelée Rationaliser Moderne, est apparu dans les années 1930; il présentait des formes courbes et des surfaces lisses et polies.^[4] L’Art Déco est l’un des premiers styles véritablement internationaux, mais sa domination a pris fin avec le début de la Seconde Guerre mondiale et la montée des styles strictement fonctionnels et sans fioritures. modernisme et le Style international de l'architecture qui a suivi.^[5]

Art Deco a pris son nom, abréviation de Arts Décoratifs, du Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes tenue à Paris en 1925, bien que les divers styles qui caractérisent l’Art Déco soient déjà apparus à Paris et Bruxelles avant la première guerre mondiale

Le terme arts décoratifs a été utilisé pour la première fois en France en 1858; publié dans le Bulletin de la Société française de photographie.^[6]

En 1868, Le Figaro journal a utilisé le terme objets d'art décoratifs en ce qui concerne les objets de décors créés pour le Théâtre de l'Opéra.^[7][8][9]

En 1875, le gouvernement français donna officiellement le statut d’artiste au créateur de meubles, au textile, aux bijoux et au verre, ainsi qu’à d’autres artisans. En réponse à cela, le École royale gratuite de dessin (École libre royale de design) fondée en 1766 sous le règne du roi Louis XVI pour former des artistes et des artisans aux métiers des beaux-arts, a été rebaptisée École nationale des arts décoratifs (l'École nationale des arts décoratifs). Il a pris son nom actuel d’ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) en 1927.

Pendant l'exposition de 1925, l'architecte le Corbusier a écrit une série d'articles sur l'exposition pour son magazine L'Esprit Nouveau sous le titre "1925 Expo: Arts Déco" qui ont été réunis dans un livre "L'art décoratif d'aujourd'hui". Le livre était une attaque animée contre les excès des objets colorés et somptueux de l'Exposition; et sur l'idée que les objets pratiques tels que les meubles devraient avoir n'importe quelle décoration; sa conclusion était que "la décoration moderne n'a pas de décoration".

Le titre abrégé "Arts Deco" que Le Corbusier utilisa dans les articles et le livre fut adapté en 1966 pour le titre de la première exposition moderne sur le sujet, intitulée Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, qui couvrait la variété des principaux styles des années 1920 et 1930. Le terme Art déco a ensuite été utilisé dans un article de journal publié en 1966 par Hillary Gelson dans le Times (Londres, 12 novembre), décrivant les différents styles présentés.^[11][12]

L’Art Déco est devenu un label stylistique largement appliqué en 1968, lorsque l’historien Bevis Hillier a publié le premier livre académique majeur sur le style: Art déco des années 20 et 30. Hillier a noté que le terme était déjà utilisé par les marchands d'art et cite Les temps (2 novembre 1966) et un essai intitulé "Les Arts Déco" dans Elle magazine (novembre 1967) à titre d’exemples d’usages antérieurs. En 1971, Hillier organise une exposition à la Institut des arts de Minneapolis, qu'il détaille dans son livre à ce sujet, Le monde de l'art déco.^[14][15]

Origines[[modifier]

Société des artistes décoratifs (1901-1913)[[modifier]

L’émergence de l’Art Déco est étroitement liée à l’amélioration du statut des artistes décorateurs, qui jusqu’à la fin du XIXe siècle étaient considérés comme de simples artisans. Le terme "arts décoratifs" avait été inventé en 1875, donnant aux concepteurs de meubles, textiles et autres objets de décoration un statut officiel. La Société des artistes décorateurs (SAD) a été fondée en 1901 et les artistes décorateurs jouissent des mêmes droits d'auteur que les peintres et les sculpteurs. Un mouvement similaire s'est développé en Italie. La première exposition internationale entièrement consacrée aux arts décoratifs, le Esposizione International d'Arte Decorative Moderna, a eu lieu à Turin en 1902. Plusieurs nouveaux magazines consacrés aux arts décoratifs ont été fondés à Paris, notamment Arts et décoration et L'Art décoratif moderne. Des sections consacrées aux arts décoratifs ont été introduites dans les salons annuels de la Société des artistes français, et plus tard dans Salon d'automne. Le nationalisme français a également joué un rôle dans la résurgence des arts décoratifs; Les designers français se sont sentis interpellés par les exportations croissantes de meubles allemands moins chers. En 1911, la SAD proposa la tenue d'une nouvelle grande exposition internationale sur les arts décoratifs en 1912. Aucune copie de styles anciens ne serait autorisée. seulement des œuvres modernes. L'exposition a été reportée à 1914, puis à cause de la guerre, elle a été reportée à 1925, date à laquelle elle a donné son nom à toute la famille des styles connus sous le nom de Déco.

Les grands magasins et les créateurs de mode parisiens ont également joué un rôle important dans l'essor de l'Art Déco. Entreprises établies, y compris le bagagiste Louis Vuitton, entreprise d'argenterie Christofle, designer de verre René Laliqueet les bijoutiers Louis Cartier et Boucheron, qui ont tous commencé à concevoir des produits dans des styles plus modernes. À partir de 1900, les grands magasins ont recruté des artistes décorateurs pour travailler dans leurs studios de design. La décoration de 1912 Salon d'Automne avait été confié au grand magasin Printemps.^[17] Au cours de la même année, le Printemps crée son propre atelier appelé "Primavera". En 1920, Primavera employait plus de trois cents artistes. Les styles vont des versions mises à jour de Louis XIV, Louis XVI et plus particulièrement du mobilier Louis Philippe fabriqué par Louis Süe et l'atelier Primavera aux formes plus modernes de l'atelier du grand magasin Au Louvre. Autres designers, y compris Émile-Jacques Ruhlmann et Paul Foliot a refusé d’utiliser la production en série et a insisté pour que chaque pièce soit fabriquée individuellement à la main. Le style Art déco ancien comportait des matières luxueuses et exotiques comme l’ébène, l’ivoire et la soie, des couleurs très vives et stylisées. motifs, en particulier des paniers et des bouquets de fleurs de toutes les couleurs, donnant un aspect moderniste.^[18]

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)[[modifier]

Antoine Bourdelle1910-1912 Apollon et sa méditation entourée des 9 muses (La méditation d'Apollo et les muses), bas-relief, Théâtre des Champs Elysées, Paris. Cette œuvre représente l'un des plus anciens exemples de ce que l'on appelle désormais sculpture Art Déco.

le Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), par Auguste Perret était le premier bâtiment Art Déco emblématique achevé à Paris. Précédemment béton armé Perret avait construit le premier immeuble moderne en béton armé à Paris, rue Benjamin Franklin, en 1903-1904. Henri Sauvage, un autre futur important architecte Art déco, en a construit un autre en 1904 au 7 rue Trétaigne (1904). De 1908 à 1910, Le Corbusier, âgé de 21 ans, travailla comme dessinateur dans le bureau de Perret, apprenant les techniques de la construction en béton. Le bâtiment de Perret avait une forme rectangulaire épurée, une décoration géométrique et des lignes droites, les futures marques de fabrique de l'Art Déco. Le décor du théâtre était également révolutionnaire; la façade a été décorée avec hauts reliefs par Antoine Bourdelle, une coupole de Maurice Denis, peintures de Édouard Vuillardet un rideau Art Déco Ker-Xavier Roussel. Le théâtre est devenu célèbre comme lieu de nombreuses premières représentations de la Ballets Russes. Perret et Sauvage sont devenus les principaux architectes Art Déco à Paris dans les années vingt.^[19]

Salon d'Automne (1912-1913)[[modifier]

À sa naissance entre 1910 et 1914, l’Art Déco était une explosion de couleurs, caractérisée par des teintes vives et souvent contrastées, souvent dans des motifs floraux, présentées dans des meubles rembourrés, des tapis, des écrans, du papier peint et des tissus. De nombreuses œuvres colorées, y compris des chaises et une table de Maurice Dufrene et un tapis brillant Gobelin par Paul Follot ont été présentés à la 1912 Salon des artistes décorateurs. En 1912-1913 designer Adrien Karbowsky fait une chaise florale avec une conception de perroquet pour le pavillon de chasse du collectionneur d'art Jacques Doucet.^[21] Les designers de meubles Louis Süe et André Mare ont fait leur première apparition à la pièce de 1912, sous le nom de Atelier Française, combinant des tissus colorés avec des matériaux exotiques et coûteux, notamment de l'ébène et de l'ivoire. Après la Première Guerre mondiale, ils sont devenus l’une des plus importantes entreprises françaises d’architecture d'intérieur, produisant les meubles pour les salons et les cabines de première classe des paquebots transatlantiques français.

Les couleurs vives de l’Art Déco provenaient de nombreuses sources, y compris les décors exotiques de Leon Bakst pour les Ballets Russes, qui a fait sensation à Paris juste avant la Première Guerre mondiale. Certaines des couleurs ont été inspirées par le Le fauvisme mouvement dirigé par Henri Matisse; d'autres par le Orphisme des peintres tels que Sonia Delaunay; d'autres du mouvement connu sous le nom de Nabis et du travail du peintre symboliste Odilon Redon, qui a conçu des écrans de cheminée et d'autres objets décoratifs. Les couleurs vives étaient une caractéristique du travail du couturier Paul Poiret, dont le travail a influencé à la fois la mode Art Déco et la décoration intérieure.

Maison cubiste (1912)[[modifier]

Le style d'art connu sous le nom Cubisme apparu en France entre 1907 et 1912, influençant le développement de l'Art Déco. Les cubistes, eux-mêmes sous l’influence de Paul Cézanne, s’intéressaient à la simplification des formes à leur essentiel géométrique: le cylindre, la sphère, le cône.^[23]

En 1912, les artistes de la Section d'Or œuvres exposées considérablement plus accessibles au grand public que le cubisme analytique de Picasso et de Braque. Le vocabulaire cubiste était destiné à attirer les designers de mode, de meubles et d'intérieur.^[24][25]

Dans les écrits de 1912 de André Vera. Style Le Nouveau, publié dans le journal L'Art décoratif, il a exprimé le rejet de Art Nouveau formes (asymétriques, polychromes et pittoresques) et a appelé à simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie, des thèmes qui finiront par devenir communs dans l’Art Déco; Avec le temps, le style de déco était souvent très coloré et tout sauf simple.^[26]

dans le Art Décoratif section du Salon d’automne 1912, une installation architecturale a été exposée connue sous le nom de La Maison Cubiste.^[27][28] La façade a été conçue par Raymond Duchamp-Villon. La décoration de la maison a été réalisée par les firmes Louis Süe et André Mare, qui avaient formé une société appelée Atlelier Français en 1912.^[29]La Maison Cubiste était une installation meublée avec une façade, un escalier, des rampes en fer forgé, une chambre à coucher, un salon Salon Bourgeois, où des peintures de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger et Roger de La Fresnaye ont été suspendus.^[30][31][32] Des milliers de spectateurs présents dans le salon ont traversé le modèle grandeur nature.^[33]

La façade de la maison, conçue par Duchamp-Villon, n’était pas très radicale par rapport aux normes modernes; les linteaux et les frontons avaient des formes prismatiques, mais la façade ressemblait autrement à une maison ordinaire de cette époque. Les chambres ont été meublées par Mare avec des chaises et des canapés de style néo-Louis XVI et Louis-Philippe, qui ont été mis à jour avec des éléments plus anguleux pour les faire correspondre aux peintures cubistes. Le critique Emile Sedeyn a décrit le travail de Mare dans le magazine Art et Décoration: "Il ne s'embarrasse pas avec simplicité, car il multiplie les fleurs partout où elles peuvent être placées. L'effet recherché est évidemment un effet de pittoresque et de gaieté. Il y parvient." L'élément cubiste a été fourni par les peintures. En dépit de sa docilité, l'installation a été qualifiée d'extrêmement radicale par certains critiques, ce qui a contribué à son succès. Cette installation architecturale a ensuite été exposée à la 1913 Spectacle d'arsenal, New York, Chicago et Boston.^{[25][36][37][38][39]} Grâce en grande partie à l'exposition, le terme "cubiste" a commencé à s'appliquer à tout ce qui est moderne, des coupes de cheveux pour femmes aux vêtements en passant par les représentations théâtrales.

Le style cubiste a perduré au sein de l’Art déco, même si celui-ci s’est diversifié. En 1927, les cubistes Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, le sculpteur Gustave Mikloset d’autres ont collaboré à la décoration d’un studio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, conçu par l'architecte Paul Ruaud et appartenant au couturier français Jacques Doucet, également collectionneur de Post-impressionniste art de Henri Matisse et Cubiste peintures (y compris Les Demoiselles d'Avignonqu’il a acheté directement à l’atelier de Picasso). Laurens a conçu la fontaine, Csaky a conçu l'escalier de Doucet,^[40] Lipchitz a fait la cheminée et Marcoussis a fabriqué un tapis cubiste.^[41][42][43]

Outre les artistes cubistes, Doucet a fait appel à d'autres architectes d'intérieur de la décoration Deco pour aider à la décoration de la maison, dont Pierre Legrain, responsable de l'organisation de la décoration, et Paul IribeMarcel Coard André Groult, Eileen Gray et Rose Adler à fournir des meubles. Le décor comprenait des pièces massives en ébène de macassar inspirées de l'art africain et des meubles recouverts de cuir marocain, de peau de crocodile et de peau de serpent, ainsi que des motifs inspirés de dessins africains.

Les influences[[modifier]

L'Art Déco n'était pas un style unique, mais une collection de styles différents et parfois contradictoires. En architecture, l’Art Déco a été le successeur et la réaction contre l’Art nouveau, un style qui a fleuri en Europe entre 1895 et 1900 et qui a également progressivement remplacé le Beaux Arts et néoclassique qui prédominaient dans l'architecture européenne et américaine. En 1905 Eugène Grasset écrit et publié Méthode de composition ornementale, Éléments Rectilignes,^[45] dans lequel il a systématiquement exploré les aspects décoratifs (ornementaux) des éléments géométriques, des formes, des motifs et de leurs variations, contrastant avec le style onduleux Art Nouveau de Hector Guimard, si populaire à Paris quelques années plus tôt. Grasset a souligné le principe selon lequel diverses formes géométriques simples telles que des triangles et des carrés constituent la base de tous les arrangements de composition. Les bâtiments en béton armé d’Auguste Perret et d’Henri Sauvage, et notamment le Théâtre des Champs-Élysées, a offert une nouvelle forme de construction et de décoration qui a été copiée dans le monde entier.^[46]

En décoration, de nombreux styles différents ont été empruntés et utilisés par l'Art Déco. Ils comprenaient de l'art pré-moderne du monde entier et observable à la Musée du Louvre, Musée de l'Homme et le Musée national des arts d'Afrique et d'Océanie. Il y avait aussi un intérêt populaire pour l'archéologie en raison de fouilles à Pompéi, Troieet la tombe du pharaon de la 18ème dynastie Toutankhamon. Les artistes et les designers ont intégré des motifs de l'Egypte ancienne, Mésopotamie, Grèce, Rome, Asie, Mésoamérique et Océanie avec Âge de la machine éléments.^{[47][48][49][50][51][52]}

Autres styles empruntés inclus russe Constructivisme et italien Futurisme, ainsi que l'orphisme, Le fonctionnalisme, et Modernisme en général.^[25][47][54] L’Art Déco a également utilisé les couleurs et les motifs contrastés du fauvisme, notamment dans les œuvres de Henri Matisse et André Derain, a inspiré les dessins de textiles art déco, de papiers peints et de céramiques peintes.^[25] Il a repris des idées du vocabulaire de la haute couture de l'époque, qui comprenait des motifs géométriques, des chevrons, des zigzags et des bouquets de fleurs stylisés. Il a été influencé par les découvertes dans égyptologieet un intérêt croissant pour l’Orient et l’art africain. À partir de 1925, il était souvent inspiré par une passion pour les nouvelles machines, telles que les dirigeables, les automobiles et les paquebots. En 1930, cette influence donna naissance au style appelé rationaliser moderne.

Style de luxe et de modernité[[modifier]

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  Le boudoir du couturier Jeanne Lanvin (1922-1925) actuellement au Musée des arts décoratifs, Paris
  

  
  

  
  


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  Bain de Jeanne Lanvin, en marbre de Sienne, avec décor de stuc sculpté et de bronze (1922-1925)
  

  
  

  
  


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  Une étude Art Déco réalisée par la firme parisienne de design Alavoine, actuellement au Brooklyn Museum (1928-1930)
  

  
  

  
  


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  Le salon de verre conçu par Paul Ruaud avec des meubles de Eileen Gray, pour Madame Mathieu-Levy (modiste de la boutique J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Paris, 1922 (publié dans L'Illustration27 mai 1933)
  

  
  

  
  

L'Art Déco était associé au luxe et à la modernité. il combinait des matériaux très coûteux et un artisanat exquis mis dans des formes modernistes. Rien n’était bon marché à l’Art déco: les meubles comprenaient des incrustations d’ivoire et d’argent, et des bijoux Art déco combinés de diamants avec du platine, du jade et d’autres matières précieuses. Ce style a été utilisé pour décorer les salons de première classe des paquebots, trains de luxe et gratte-ciel. Il a été utilisé dans le monde entier pour décorer les grands palais du cinéma de la fin des années 1920 et des années 1930. Plus tard, après le Grande Dépression, le style a changé et est devenu plus sobre.

Le boudoir du couturier est un bon exemple du style de luxe de l’Art déco. Jeanne Lanvin, conçu par Armand-Albert Rateau (1882-1938) réalisés entre 1922 et 1925. Elle se trouvait dans sa maison, au 16 rue Barbet de Jouy, à Paris, qui a été démolie en 1965. La salle a été reconstruite au Musée des arts décoratifs de Paris. Les murs sont recouverts de moulé lambris dessous de bas-reliefs sculptés en stuc. L'alcôve est encadrée de colonnes de marbre avec des bases et d'un socle en bois sculpté. Le sol est en marbre blanc et noir et, dans les placards, des objets décoratifs sont affichés sur un fond de soie bleue. Sa salle de bain avait une baignoire et un lavabo en marbre de Sienne, avec un mur de stuc sculpté et des accessoires en bronze.

En 1928, le style était devenu plus confortable, avec des fauteuils club en cuir profond. L’étude conçue par la firme parisienne Alavoine pour un homme d’affaires américain en 1928-1930, actuellement Brooklyn Museum, avait une caractéristique américaine unique. Depuis sa construction durant InterdictionLorsqu’il était interdit de servir de l’alcool, il comprenait un bar secret caché derrière les panneaux.^[57]

Dans les années 1930, le style avait été quelque peu simplifié, mais il restait extravagant. En 1932, le décorateur Paul Ruoud créa le Salon du verre de Suzanne Talbot. Il comportait un fauteuil en serpentin et deux fauteuils tubulaires d'Eileen Gray, un sol en dalles de verre argentées mates, un panneau de motifs abstraits en laque argentée et noire et un assortiment de peaux d'animaux.

Salon international des arts décoratifs et industriels modernes (1925)[[modifier]

L’événement qui a marqué le zénith du style et lui a donné son nom est le Salon international des arts décoratifs et industriels modernes qui s’est déroulé à Paris d’avril à octobre 1925. C’était officiellement parrainé par le gouvernement français et couvrait un site parisien de Grand Palais sur la rive droite pour Les Invalides sur la rive gauche et le long des berges de la Seine. Le Grand Palais, la plus grande salle de la ville, était rempli d'expositions d'arts décoratifs des pays participants. Il y avait 15 000 exposants venus de vingt pays différents, dont l'Angleterre, l'Italie, l'Espagne, la Pologne, la Tchécoslovaquie, la Belgique, le Japon et le nouveau Union soviétique, bien que l’Allemagne n’ait pas été invitée à cause de tensions après la guerre et que les États-Unis, qui comprenaient mal l’objet de l’exposition, ont refusé de participer. Seize millions de personnes l'ont visité au cours de ses sept mois d'activité. Les règles de l'exposition exigeaient que tout travail soit moderne; aucun style historique n'était autorisé. L’exposition visait principalement à promouvoir les fabricants français de meubles de luxe, de porcelaine, de verre, de serrurerie, de textiles et d’autres produits de décoration. Pour promouvoir davantage les produits, tous les grands magasins parisiens et les grands designers avaient leurs propres pavillons. L’exposition avait pour objectif secondaire de promouvoir les produits des colonies françaises d’Afrique et d’Asie, notamment les bois d’ivoire et les bois exotiques.

L'Hôtel du Riche Collectionneur était une attraction populaire à l'Exposition; elle présentait les nouveaux modèles de mobilier d’Emile-Jacques Ruhlmann, ainsi que des tissus, tapis et tapis Art Déco, ainsi qu’un tableau de Jean Dupas. Le design intérieur suivait les mêmes principes de symétrie et de formes géométriques qui le distinguaient de l'Art Nouveau, ainsi que des couleurs vives, une finition soignée, des matériaux rares et coûteux qui le distinguaient de la stricte fonctionnalité du style moderniste. Alors que la plupart des pavillons étaient richement décorés et garnis de meubles de luxe fabriqués à la main, deux pavillons, ceux de l’Union soviétique et le Pavillon du Nouveau Esprit, construit par le magazine de ce nom dirigé par Le Corbusier, ont été construits dans un style austère. murs blancs simples et pas de décoration; ils étaient parmi les premiers exemples de architecture moderniste.

Grattes ciels[[modifier]

Les gratte-ciel américains ont marqué le sommet du style Art Déco; ils sont devenus les bâtiments modernes les plus hauts et les plus reconnaissables du monde. Ils ont été conçus pour montrer le prestige de leurs constructeurs par leur hauteur, leur forme, leur couleur et leur illumination dramatique la nuit.^[60] Le premier gratte-ciel de New York, le Immeuble Woolworth, de style néoclassique, a été achevée en 1913 et le bâtiment américain du téléphone et du télégraphe (1924) comportait des colonnes ioniques et doriques et une structure dorique classique. hypostyle avec une frise. le American Radiator Building par Raymond Hood (1924) combinent des éléments modernes gothiques et déco dans la conception du bâtiment. La brique noire sur la façade du bâtiment (symbole du charbon) a été choisie pour donner une idée de la solidité et donner au bâtiment une masse solide. D'autres parties de la façade étaient recouvertes de briques dorées (symbolisant le feu) et l'entrée était décorée de marbre et de miroirs noirs. Un autre gratte-ciel de style Art déco était celui de Detroit Bâtiment gardien, qui a ouvert en 1929. Conçu par moderniste Wirt C. Rowland, le bâtiment a été le premier à utiliser l’acier inoxydable en tant qu’élément décoratif, et l’utilisation étendue de motifs colorés à la place des ornements traditionnels.

La ligne d'horizon de New York a été radicalement modifiée par le Chrysler Building à Manhattan (achevé en 1930), conçu par William Van Alen. C'était une annonce géante de soixante-dix-sept étages pour les automobiles Chrysler. Le sommet était couronné par une flèche en acier inoxydable et orné de "gargouilles" de décoration décorées de bouchons de radiateur en acier inoxydable. Le socle de la tour, composé de trente-trois étages au-dessus de la rue, était orné de frises art déco colorées, et le hall d’entrée était décoré de symboles et d’images représentant l’art moderne.

Le Chrysler Building a été suivi par le Empire State Building par William F. Lamb (1931) et le RCA Building (maintenant le Immeuble Comcast) dans centre Rockefeller, de Raymond Hood (1933) qui, ensemble, ont complètement changé l’horizon de New York. Les sommets des bâtiments étaient décorés de couronnes et de flèches de style Art déco recouvertes d’acier inoxydable et, dans le cas du bâtiment Chrysler, de gargouilles de style Art déco inspirées des ornements de radiateurs, tandis que les entrées et les vestibules étaient richement décorés de sculptures Art déco. céramique et design. Des bâtiments similaires, bien que moins hauts, sont rapidement apparus à Chicago et dans d'autres grandes villes américaines. Le bâtiment de Chrysler a été rapidement dépassé par l'Empire State Building, dans un style déco légèrement moins somptueux. Le Rockefeller Center a ajouté un nouvel élément de design: plusieurs grands immeubles regroupés autour d'une place ouverte, avec une fontaine au centre.

Art déco tardif[[modifier]

En 1925, deux écoles différentes concurrentes coexistaient au sein de l'Art déco: les traditionalistes, qui avaient fondé la Society of Decorative Artists; comprenait le designer de meubles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, le sculpteur Antoine Bourdelle et le designer Paul Poiret; ils combinaient des formes modernes avec un artisanat traditionnel et des matériaux coûteux. De l'autre côté se trouvaient les modernistes, qui rejetaient de plus en plus le passé et souhaitaient un style basé sur les avancées des nouvelles technologies, la simplicité, un manque de décoration, des matériaux peu coûteux et une production de masse. Les modernistes ont fondé leur propre organisation, L'Union Française des Artistes Modernesen 1929. Parmi ses membres figuraient des architectes Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier et, en Union soviétique, Konstantin Melnikov; la créatrice irlandaise Eileen Gray et la créatrice française Sonia Delaunay, les bijoutiers Jean fouquet et Jean Puiforcat. Ils ont violemment attaqué le style traditionnel art déco, qui selon eux a été créé pour les riches, et ont insisté sur le fait que les bâtiments bien construits devraient être accessibles à tous et que la forme devait suivre la fonction. La beauté d'un objet ou d'un bâtiment réside dans le fait qu'il soit parfaitement apte à remplir sa fonction. Grâce aux méthodes industrielles modernes, les meubles et les bâtiments pouvaient être fabriqués en série et non à la main.^[63][64]

L’architecte d’intérieur Art Déco, Paul Follot, a défendu l’Art Déco de la manière suivante: "Nous savons que l’homme ne se contente jamais de l’indispensable et que le superflu est toujours nécessaire ... Sinon, nous devrions nous débarrasser de la musique, des fleurs et des parfums..!" Cependant, Le Corbusier était un publiciste brillant pour l'architecture moderniste; il a déclaré qu'une maison était simplement "une machine à vivre" et a inlassablement défendu l'idée que l'Art Déco était le passé et le modernisme l'avenir. Les idées de Le Corbusier ont été progressivement adoptées par les écoles d'architecture et l'esthétique de l'Art déco a été abandonnée. Les mêmes caractéristiques qui ont fait la renommée de l’Art Déco au début, son art, ses matériaux riches et son ornement, ont conduit à son déclin. La Grande Dépression, qui a débuté aux États-Unis en 1929 et est arrivée peu après en Europe, a considérablement réduit le nombre de clients fortunés pouvant payer les meubles et les objets d'art. Dans le climat économique de la dépression, peu d'entreprises étaient prêtes à construire de nouveaux gratte-ciel.^[25] Même la société Ruhlmann a eu recours à la production de meubles en série plutôt que de pièces individuelles fabriquées à la main. Les derniers bâtiments construits à Paris dans ce nouveau style sont le Musée des travaux publics d’Auguste Perret (aujourd'hui le Conseil économique, social et environnemental français) et le Palais de Chaillot par Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu et Léon Azéma, et le Palais de Tokyo du 1937 Exposition Internationale de Paris; ils ont regardé le grandiose pavillon de l'Allemagne nazie, conçu par Albert Speer, qui faisait face au pavillon tout aussi grandiose socialiste-réaliste de l'Union soviétique de Staline.

Après la Seconde Guerre mondiale, le style architectural dominant devint le style international mis au point par Le Corbusier et Mies Van der Rohe. Une poignée d'hôtels Art Déco ont été construits à Plage de Miami après la Seconde Guerre mondiale, mais ailleurs, le style a largement disparu, sauf dans le design industriel, où il a continué à être utilisé dans le style automobile et dans des produits tels que les juke-box. Dans les années 1960, il a connu un renouveau académique modeste, en partie grâce aux écrits d'historiens de l'architecture tels que Bevis Hillier. Dans les années 1970, des efforts ont été déployés aux États-Unis et en Europe pour préserver les meilleurs exemples d'architecture Art Déco. De nombreux bâtiments ont été restaurés et reconvertis. Architecture postmoderne, qui a fait son apparition dans les années 1980, à l’instar de l’Art Déco, comporte souvent des éléments purement décoratifs.^{[25][47][66][67]} Deco continue à inspirer les créateurs et est souvent utilisé dans la mode, les bijoux et les articles de toilette contemporains.^[68]

La peinture[[modifier]

Aucune partie n’a été réservée à la peinture lors de l’exposition de 1925. La peinture Art déco était par définition décorative, conçue pour décorer une pièce ou une œuvre d’architecture. Ainsi, peu de peintres travaillaient exclusivement dans le style, mais deux peintres sont étroitement associés à l’Art Déco. Jean Dupas a peint des peintures murales Art Déco pour le pavillon de Bordeaux à l'Exposition des arts décoratifs de 1925 à Paris et a également peint le tableau au-dessus de la cheminée de l'exposition de la Maison de la Collectioneur à l'Exposition de 1925, qui comprenait des meubles de Ruhlmann et d'autres grands designers Art Déco. . Ses peintures murales étaient également importantes dans le décor du paquebot français SS Normandie. Son travail était purement décoratif, conçu comme un arrière-plan ou un accompagnement d'autres éléments du décor.^[69] L’autre peintre étroitement associé au style est Tamara de Lempicka. Née en Pologne dans une famille aristocratique, elle a émigré à Paris après la révolution russe. Là elle est devenue une élève de l'artiste Maurice Denis du mouvement appelé Les Nabis et le cubiste André Lhote et emprunté de nombreux éléments de leurs styles. Elle peint presque exclusivement des portraits dans un style Art Déco réaliste, dynamique et coloré.^[70]

Dans les années 1930, une nouvelle forme dramatique de peinture Art déco est apparue aux États-Unis. Pendant la grande dépression, le Projet d'art fédéral du Administration du progrès des travaux a été créé pour donner du travail à des artistes sans emploi. Beaucoup ont été chargés de la décoration des bâtiments gouvernementaux, des hôpitaux et des écoles. Il n'y avait pas de style art déco spécifique utilisé dans les peintures murales; artistes engagés pour peindre des peintures murales dans les bâtiments du gouvernement sont venus de nombreuses écoles différentes, du régionalisme américain à réalisme social; ils ont inclus Reginald Marsh, Rockwell Kent et le peintre mexicain Diego Rivera. The murals were Art Deco because they were all decorative and related to the activities in the building or city where they were painted: Reginald Marsh and Rockwell Kent both decorated U.S. postal buildings, and showed postal employees at work while Diego Rivera depicted automobile factory workers for the Detroit Institute of Arts. Diego Rivera's mural Man at the Crossroads (1933) for Rockefeller Center featured an unauthorized portrait of Lenin.^[71][72] When Rivera refused to remove Lenin, the painting was destroyed and a new mural was painted by the Spanish artist Josep Maria Sert.^[73][74][75]

Sculpture[[modifier]

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  Dancer and Gazelles par Paul Manship, (1916), bronze, Metropolitan Museum of Art
  

  
  

  
  


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  Lee Lawrie, 1936–37, Atlas statue, in front of the Rockefeller Center in New York (installed 1937)
  

  
  

  
  


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Most of the sculpture of the Art Deco period was, as the name suggests, purely decorative; it was designed not for museums, but to ornament office buildings, government buildings, public squares and private salons. It was almost always representational, usually of heroic or allegorical figures related to the purpose of the building; the themes were usually chosen by the patron, and abstract sculpture for decoration was extremely rare. It was frequently attached to facade of buildings, particularly over the entrances and lobbies.^[76]

Allegorical sculptures of the dance and music by Antoine Bourdelle were the essential decorative feature of the earliest Art Deco landmark in Paris, the Théâtre des Champs-Élysées in Paris, in 1912. The sculptor Aristide Maillol reinvented the classical ideal for his statue of the River (1939), now at the Museum of Modern Art à New York. In the 1930s, a whole team of sculptors made sculpture for the 1937 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne at Chaillot. The buildings of the Exposition were covered with low-relief sculpture, statues. Alfred Janniot made the relief sculptures on the facade of the Palais de Tokyo. le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, and the esplanade in front of the Palais de Chaillot, facing the Eiffel Tower, was crowded with new statuary by Charles Malfray, Henry Arnold, and many others.

In the United States, many European sculptors trained at the École des Beaux Arts in Paris, came to work; ils ont inclus Gutzon Borglum, sculptor of Mount Rushmore Lincoln Memorial. Other American sculptors, including Harriet Whitney Frishmuth, had studied with Auguste Rodin in Paris. The 1929 stock market crash largely destroyed the market for monumental sculpture, but one grand project remained; the new Rockefeller Center. The American sculptors Lee Lawrie et Paul Manship designed heroic allegorical figures for facade and plaza. In San Francisco, Ralph Stackpole provided sculpture for the facade of the new San Francisco Stock Exchange building.

One of the best known and certainly the largest Art Deco sculpture is the Christ the Redeemer by the French sculptor Paul Landowski, completed between 1922 and 1931, located on a mountain top overlooking Rio de Janeiro, Brazil. François Pompon was a pioneer of modern stylized animalier sculpture. He was not fully recognized for his artistic accomplishments until the age of 67 at the Salon d'Automne of 1922 with the work Ours blanc, also known as The White Bear, now in the Musée d'Orsay in Paris.^[78]

Many early Art Deco sculptures were small, designed to decorate salons. One genre of this sculpture was called the Chryselephantine statuette, named for a style of ancient Greek temple statues made of gold and ivory. One of the best-known Art Deco salon sculptors was the Romanian-born Demétre Chiparus, who produced colorful small sculptures of dancers. Other notable salon sculptors included Ferdinand Preiss, Josef Lorenzl, Alexander Kelety, Dorothea Charol and Gustav Schmidtcassel.

Parallel with these more neoclassical sculptors, more avant-garde and abstract sculptors were at work in Paris and New York. The most prominent were Constantin Brâncuși, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Henri Laurens, Jacques Lipchitz, Gustave Miklos, Jean Lambert-Rucki, Jan et Joël Martel, Chana Orloff et Pablo Gargallo.^[80]

Graphic arts[[modifier]

The Art Deco style appeared early in the graphic arts, in the years just before World War I. It appeared in Paris in the posters and the costume designs of Leon Bakst for the Ballets Russes, and in the catalogs of the fashion designers Paul Poiret.^[81] The illustrations of Georges Barbier, and Georges Lepape and the images in the fashion magazine La Gazette du bon ton perfectly captured the elegance and sensuality of the style. In the 1920s, the look changed; the fashions stressed were more casual, sportive and daring, with the woman models usually smoking cigarettes. American fashion magazines such as Vogue, Vanity Fair et Harper's Bazaar quickly picked up the new style and popularized it in the United States. It also influenced the work of American book illustrators such as Rockwell Kent. In Germany, the most famous poster artist of the period was Ludwig Hohlwein, who created colorful and dramatic posters for music festivals, beers, and, late in his career, for the Nazi Party.

During the Art Nouveau period, posters usually advertised theatrical products or cabarets. In the 1920s, travel posters, made for steamship lines and airlines, became extremely popular. The style changed notably in the 1920s, to focus attention on the product being advertised. The images became simpler, precise, more linear, more dynamic, and were often placed against a single color background. In France popular Art Deco designers included, Charles Loupot and Paul Colin, who became famous for his posters of American singer and dancer Josephine Baker. Jean Carlu designed posters for Charlie Chaplin movies, soaps, and theaters; in the late 1930s he emigrated to the United States, where, during the World War, he designed posters to encourage war production. The designer Charles Gesmar became famous making posters for the singer Mistinguett et pour Air France. Among the best known French Art Deco poster designers was Cassandre, who made the celebrated poster of the ocean liner SS Normandie in 1935.

In the 1930s a new genre of posters appeared in the United States during the Great Depression. The Federal Art Project hired American artists to create posters to promote tourism and cultural events.

Architecture[[modifier]

The architectural style of art deco made its debut in Paris in 1903-04, with the construction of two apartment buildings in Paris, one by Auguste Perret on rue Trétaigne and the other on rue Benjamin Franklin by Henri Sauvage. The two young architects used reinforced concrete for the first time in Paris residential buildings; the new buildings had clean lines, rectangular forms, and no decoration on the facades; they marked a clean break with the art nouveau style.^[83] Between 1910 and 1913, Perret used his experience in concrete apartment buildings to construct the Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Between 1925 and 1928 he constructed the new art deco facade of the La Samaritaine department store in Paris.

After the First World War, art deco buildings of steel and reinforced concrete began to appear in large cities across Europe and the United States. In the United States the style was most commonly used for office buildings, government buildings, movie theaters, and railroad stations. It sometimes was combined with other styles; Los Angeles City Hall combined Art Deco with a roof based on the ancient Greek Mausoleum at Halicarnassus, while the Los Angeles railroad station combined Deco with Spanish mission architecture. Art Deco elements also appeared in engineering projects, including the towers of the Golden Gate Bridge and the intake towers of Hoover Dam. In the 1920s and 1930s it became a truly international style, with examples including the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts) in Mexico City par Federico Mariscal (es), the Mayakovskaya Metro Station dans Moscow et le National Diet Building in Tokyo by Watanabe Fukuzo.

The Art Deco style was not limited to buildings on land; the ocean liner SS Normandie, whose first voyage was in 1935, featured Art Deco design, including a dining room whose ceiling and decoration were made of glass by Lalique.

"Cathedrals of Commerce"[[modifier]

The grand showcases of Art deco interior design were the lobbies of government buildings, theaters, and particularly office buildings. Interiors were extremely colorful and dynamic, combining sculpture, murals, and ornate geometric design in marble, glass, ceramics and stainless steel. An early example was the Fisher Building in Detroit, by Joseph Nathaniel French; the lobby was highly decorated with sculpture and ceramics. ]le Guardian Building (originally the Union Trust Building) in Detroit, by Wirt Rowland (1929), decorated with red and black marble and brightly colored ceramics, highlighted by highly polished steel elevator doors and counters. The sculptural decoration installed in the walls illustrated the virtues of industry and saving; the building was immediately termed the "Cathedral of Commerce". The Medical and Dental Building called 450 Sutter Street in San Francisco by Timothy Pflueger was inspired by Mayan architecture, in a highly stylized form; it used pyramid shapes, and the interior walls were covered highly stylized rows of hieroglyphs.

In France, the best example of an Art Deco interior during period was the Palais de la Porte Dorée (1931) by Albert Laprade, Léon Jaussely et Léon Bazin. The building (now the National Museum of Immigration, with an aquarium in the basement) was built for the Paris Colonial Exposition of 1931, to celebrate the people and products of French colonies. The exterior facade was entirely covered with sculpture, and the lobby created an Art Deco harmony with a wood parquet floor in a geometric pattern, a mural depicting the people of French colonies; and a harmonious composition of vertical doors and horizontal balconies.

Movie palaces[[modifier]

Many of the best surviving examples of Art Deco are movie theaters built in the 1920s and 1930s. The Art Deco period coincided with the conversion of silent films to sound, and movie companies built enormous theaters in major cities to capture the huge audience that came to see movies. Movie palaces in the 1920s often combined exotic themes with art deco style; Grauman's Egyptian Theater in Hollywood (1922) was inspired by ancient Egyptian tombeaux et les pyramides, while the Fox Theater in Bakersfield, California attached a tower in California Mission style to an Art Deco hall. The largest of all is Radio City Music Hall in New York City, which opened in 1932. Originally designed as a stage theater, it quickly transformed into a movie theater, which could seat 6,015 persons The interior design by Donald Deskey used glass, aluminum, chrome, and leather to create a colorful escape from reality The Paramount Theater in Oakland, California, by Timothy Pflueger, had a colorful ceramic facade a lobby four stories high, and separate Art Deco smoking rooms for gentlemen and ladies. Similar grand palaces appeared in Europe. le Grand Rex in Paris (1932), with its imposing tower, was the largest movie theater in Europe. le Gaumont State Cinema in London (1937) had a tower modeled after the Empire State building, covered with cream-colored ceramic tiles and an interior in an Art Deco-Italian Renaissance style. le Paramount Theater in Shanghai, China (1933) was originally built as a dance hall called The gate of 100 pleasures; it was converted to a movie theater after the Communist Revolution in 1949, and now is a ballroom and disco. In the 1930s Italian architects built a small movie palace, the Cinema Impero, in Asmara in what is now Eritrea. Today, many of the movie theaters have been subdivided into multiplexes, but others have been restored and are used as cultural centers in their communities.

Streamline Moderne[[modifier]

In the late 1930s, a new variety of Art Deco architecture became common; ça s'appelait Streamline Moderne or simply Streamline, or, in France, the Style Paqueboat, or Ocean Liner style. Buildings in the style were had rounded corners, long horizontal lines; they were built of reinforced concrete, and were almost always white; and sometimes had nautical features, such as railings that resembled those on a ship. The rounded corner was not entirely new; it had appeared in Berlin in 1923 in the Mossehaus par Erich Mendelsohn, and later in the Hoover Building, an industrial complex in the London suburb of Perivale. In the United States, it became most closely associated with transport; Streamline moderne was rare in office buildings, but was often used for bus stations and airport terminals, such as terminal at La Guardia airport in New York City that handled the first transatlantic flights, via the PanAm clipper flying boats; and in roadside architecture, such as gas stations and diners. In the late 1930s a series of diners, modeled after streamlined railroad cars, were produced and installed in towns in New England; at least two examples still remain and are now registered historic buildings.

Decoration and motifs[[modifier]

Decoration in the Art Deco period went through several distinct phases. Between 1910 and 1920, as Art Nouveau was exhausted, design styles saw a return to tradition, particularly in the work of Paul Iribe. In 1912 André Vera published an essay in the magazine L'Art Décoratif calling for a return to the craftsmanship and materials of earlier centuries, and using a new repertoire of forms taken from nature, particularly baskets and garlands of fruit and flowers. A second tendency of Art Deco, also from 1910 to 1920, was inspired by the bright colors of the artistic movement known as the Fauves and by the colorful costumes and sets of the Ballets Russes. This style was often expressed with exotic materials such as sharkskin, mother of pearl, ivory, tinted leather, lacquered and painted wood, and decorative inlays on furniture that emphasized its geometry. This period of the style reached its high point in the 1925 Paris Exposition of Decorative Arts. In the late 1920s and the 1930s, the decorative style changed, inspired by new materials and technologies. It became sleeker and less ornamental. Furniture, like architecture, began to have rounded edges and to take on a polished, streamlined look, taken from the streamline moderne style. New materials, such as chrome-plated steel, aluminum and bakelite, an early form of plastic, began to appear in furniture and decoration.^[88]

Throughout the Art Deco period, and particularly in the 1930s, the motifs of the decor expressed the function of the building. Theaters were decorated with sculpture which illustrated music, dance, and excitement; power companies showed sunrises, the Chrysler building showed stylized hood ornaments; The friezes of Palais de la Porte Dorée at the 1931 Paris Colonial Exposition showed the faces of the different nationalities of French colonies. The Streamline style made it appear that the building itself was in motion. The WPA murals of the 1930s featured ordinary people; factory workers, postal workers, families and farmers, in place of classical heroes.

Meubles[[modifier]

French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the President of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style, and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colors inspired by Fauvism and the Nabis.

The painter André Mare and furniture designer Louis Suë both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined together to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.

The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, acajou, bois de rose, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets. His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.

Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered art deco furniture at the end of in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass. In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.

The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich, and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.^[95]

In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminum, chrome, and bakelite, an early form of plastic. le Waterfall style was popular the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.^[97]

Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aérodynamique principles developed for aviation and balistique to reduce air friction at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as réfrigérateurs, gas pumps, and buildings.^[49] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.^{[98][99][100][101]}

New industrial materials began to influence design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily molded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.

Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.^[25]

Bijoux[[modifier]

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  Boucheron (1925), a gold buckle set with diamonds and carved onyx, lapis lazuli, jade, and coral
  

  
  

  
  


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In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried reduce the traditional dominance of diamants by introducing more colorful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw a large number of diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. The settings for diamonds also changed; More and more often jewelers used platine instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewelers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.

Jewelry became much more colorful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colorful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewelry. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colorful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wrist-watch before World War I inspired jewelers to create extraordinary decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.

The established jewelry houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, et Van Cleef & Arpels all created jewelry and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels. The jeweler Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colors by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.

Glass art[[modifier]

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  The Firebird by René Lalique (1922)
  

  
  

  
  


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  Parrot vase by René Lalique (1922)
  

  
  

  
  


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  UNE Daum vase with sculpted grapes (1925)
  

  
  

  
  


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  Window for a steel mill office by Louis Majorelle (1928)
  

  
  

  
  


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Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used colored glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Ile de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table settling and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métier, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colorful than that of Lalique.

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colors, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multicolored works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately colored vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.

The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Metal art[[modifier]

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  A grill with two wings called "The Pheasants", made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts
  

  
  

  
  


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  Iron and copper grill called "Oasis" by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition
  

  
  

  
  


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Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centerpiece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).

Art Deco architecture around the world[[modifier]

Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent. (For a comprehensive of existing buildings by country, see List of Art Deco architecture.)

Africa[[modifier]

Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian and French architects.

Asia[[modifier]

A large number of the Art Deco buildings in Asia were designed by European architects, but in the Philippines local architect Juan Nakpil was preeminent. Many art deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai et Mumbai.

Australia and New Zealand[[modifier]

Melbourne and Sydney Australia have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower et ANZAC War Memorial in Sydney.

Several towns in New Zealand, including Napier et Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke's Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.^[107][108]Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.^[109]

Canada, Mexico, and the United States[[modifier]

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In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, et Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).
File:Edificios La Nacional I y II.JPG | La Nacional Buildings Mexico City, Mexico (1932)
Dans Mexique, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate decor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa neighborhood, many designed by Francisco J. Serrano.

In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and movie theaters; residential buildings are rare. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the colorful collection of Art Deco buildings found there.

Central America and the Caribbean[[modifier]

Typical floor plan, the Lopez Serrano Building

Art Deco buildings can be found throughout Central America. A particularly rich collection is found in Cuba, built largely for the large number of tourists who came to the island from the United States. One such building is the López Serrano built between 1929 and 1932 in the Vedado section de Havana.

L'Europe [[modifier]

The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn's Mossehaus and Schaubühne theater in Berlin, Fritz Högerde Chilehaus dans Hamburg et son Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower in Hannover and the Borsig Tower in Berlin.^[110]

One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.^[111]

Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theater (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).

During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,^[47] as well as the design of various public buildings.^[66] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.^{[67][112][113]}

le London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,^[114] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.

India[[modifier]

The Indian Institute of Architects, founded in Bombay in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organized the ‘Ideal Home Exhibition’ held in the Town Hall in Bombay which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the 'Journal of the Indian Institute of Architects'. The exhibits displayed the ‘ideal’, or better described as the most ‘modern’ arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.^[115]

Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.^[115] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.^[115]

Bombay’s expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Bombay in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.^[116] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city’s development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.^[117][118]

South America[[modifier]

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The Art Deco in South America is present especially at the countries that received a great wave of immigration on the first half of the 20th century, with notable works at their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brésil and Buenos Aires in Argentine.The Kavanagh building dans Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced concrete structure when it was completed, and a notable example of late Art Deco style.

Preservation and Neo Art Deco[[modifier]

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic art deco movie theaters have been preserved and turned into cultural centers. Even more modest art deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an art deco cafe and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. Dans Havana, Cuba, a large number of Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original color and appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco, have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s. Examples include the Smith Center for the Performing Arts dans Las Vegas, Nevada, which includes art deco features from Hoover Dam, fifty miles away, and from the Will Rogers Memorial Center dans Fort Worth, Texas, an art deco landmark built in 1936.

Galerie[[modifier]

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  1941 Packard Custom Super Eight One-Eighty Formal sedan
  

  
  

  
  


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  Former Teatro Eden, now Aparthotel Vip Eden in Lisbon, le Portugal: Cassiano Branco and Carlo Florencio Dias, 1931
  

  
  

  
  


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See also[[modifier]

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External links[[modifier]

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