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Yazar  November 09, 2018  Henüz yorum yok
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gamme variée d'activités humaines


Cet article concerne le concept général de l'art. Pour le groupe de disciplines créatives, voir Les arts. Pour d'autres utilisations, voir Art (homonymie).



Art est une gamme diversifiée de activités humaines pour créer des artefacts visuels, auditifs ou performants (œuvres d'art), exprimant l'auteur imaginatif, conceptuel idée, ou compétence technique, destinée à être appréciée pour sa beauté ou son pouvoir émotionnel.[1][2] Dans leur forme la plus générale, ces activités incluent la production d'œuvres d'art, la critique d'art, l'étude de l'histoire de l'art et la diffusion esthétique de l'art.

Les trois branches classiques de l'art sont La peinture, sculpture et architecture.[3] Musique, théâtre, cinéma, danse et autres arts performants, ainsi que la littérature et autres médias tels que média interactif, sont inclus dans une définition plus large de les arts.[1][4] Jusqu'au 17ème siècle, art fait référence à une compétence ou à une maîtrise et ne se distingue pas artisanat ou les sciences. Dans l’usage moderne après le XVIIe siècle, où les considérations esthétiques sont primordiales, les beaux-arts sont séparés et distingués des compétences acquises en général, telles que la arts appliqués.

Bien que la définition de ce qui constitue l'art soit contestée[5][6][7] et a changé au fil du temps, les descriptions générales mentionnent une idée de compétence imaginative ou technique découlant de agence humaine[8] et la création.[9] La nature de l'art et les concepts connexes, tels que la créativité et l'interprétation, sont explorés dans une branche de la philosophie appelée esthétique.[10]




Art créatif et beaux-arts



Les œuvres d'art peuvent raconter des histoires ou simplement exprimer une vérité ou un sentiment esthétique. Panorama d'une section de Mille Li de montagnes et de rivières, une peinture du 12ème siècle par l'artiste de la dynastie Song Wang Ximeng.


Dans la perspective de l'histoire de l'art,[9] œuvres artistiques existent depuis presque aussi longtemps que l’humanité: depuis le début art préhistorique à art contemporain; Cependant, certaines théories limitent le concept d '"œuvres artistiques" aux sociétés occidentales modernes.[11] Un premier sens de la définition de art est étroitement liée à la signification latine plus ancienne, qui se traduit approximativement par "compétence" ou "artisanat", associée à des mots tels que "artisan". Les mots anglais dérivés de cette signification incluent artefact, artificiel, artifice, arts médicaux, et arts militaires. Cependant, il existe de nombreux autres usages familiers du mot, tous liés à sa nature. étymologie.


Bouteille rwandaise du XXe siècle. Les œuvres artistiques peuvent avoir des fonctions pratiques, en plus de leur valeur décorative.

Heures supplémentaires, les philosophes comme Platon, Aristote, Socrate et Kantentre autres interrogé le sens de l'art.[12] Plusieurs dialogues chez Platon abordent des questions sur l’art: Socrate dit que la poésie s’inspire du les museset n'est pas rationnel. Il en parle avec approbation, ainsi que d'autres formes de folie divine (ivresse, érotisme et rêver) dans le monde. Phèdre (265a – c), et pourtant dans le République veut interdire le grand art poétique d'Homère et le rire. Dans Ion, Socrate ne fait aucune allusion à la désapprobation d’Homère qu’il exprime dans le République. Le dialogue Ion suggère que Homèrede Iliade a fonctionné dans le monde grec antique comme le fait la Bible aujourd'hui dans le monde chrétien moderne: en tant qu'art littéraire inspiré par divinité, capable de fournir une orientation morale, si seulement il pouvait être correctement interprété.[13]

En ce qui concerne l'art littéraire et les arts musicaux, Aristote a considéré poésie épique, tragédie, comédie, poésie dithyrambique et de la musique pour être mimétique ou art imitatif, chacun variant en imitation par le médium, l’objet et la manière.[14] Par exemple, la musique imite avec le médium du rythme et de l'harmonie, alors que la danse imite avec le rythme seul et la poésie avec le langage. Les formes diffèrent également par leur objet d'imitation. La comédie, par exemple, est une imitation dramatique d'hommes pires que la moyenne; tandis que la tragédie imite les hommes légèrement mieux que la moyenne. Enfin, les formes diffèrent par leur manière d'imitation: par le récit ou le personnage, par le changement ou par l'absence de changement, et par le drame ou par le drame.[15] Aristote pensait que l'imitation était naturelle pour l'homme et constituait l'un des avantages de l'homme sur les animaux.[16]

Le deuxième sens, plus récent, du mot art comme abréviation de art créatif ou beaux arts émergé au début du 17ème siècle.[17] Les beaux-arts désignent une habileté utilisée pour exprimer la créativité de l'artiste, pour faire participer les sensibilités esthétiques du public, ou pour amener le public à prendre en compte des thèmes plus raffinés ou plus raffinés. plus fine oeuvre d'art.

Dans ce dernier sens, le mot art peut faire référence à plusieurs choses: (i) une étude d'une compétence créative, (ii) un processus d'utilisation de la compétence créative, (iii) un produit de la compétence créative, ou (iv) l'expérience du public avec la compétence créative. Les arts créatifs (art comme discipline) sont un ensemble de disciplines qui produisent œuvres d'art (art en tant qu’objets) qui sont forcés par une motivation personnelle (l’art en tant qu’activité) et transmettent un message, une humeur ou un symbolisme que l’interprète peut interpréter (l’art en tant qu’expérience). L'art est quelque chose qui stimule les pensées, les émotions, les croyances ou les idées d'un individu à travers les sens. Les œuvres d'art peuvent être explicitement créées à cet effet ou interprétées à partir d'images ou d'objets. Pour certains chercheurs, tels que Kant, les sciences et les arts pourraient être distingués en considérant la science comme représentant le domaine de la connaissance et les arts comme représentant le domaine de la liberté d’expression artistique.[18]

Souvent, si la compétence est utilisée de manière courante ou pratique, les gens la considéreront comme un métier plutôt que comme un art. De même, si la compétence est utilisée de manière commerciale ou industrielle, elle peut être considérée art commercial au lieu de beaux-arts. D'autre part, l'artisanat et le design sont parfois considérés comme art appliqué. Certains adeptes de l'art ont fait valoir que la différence entre les beaux-arts et les arts appliqués a plus à voir avec les jugements de valeur rendus sur l'art qu'avec toute différence de définition claire.[19] Cependant, même les beaux-arts ont souvent des objectifs autres que la créativité et l'expression de soi. Les œuvres d'art peuvent avoir pour but de communiquer des idées, par exemple dans un art motivé par des raisons politiques, spirituelles ou philosophiques; pour créer un sens de la beauté (voir esthétique) explorer la nature de la perception; pour le plaisir; ou pour générer forte émotions. Le but peut aussi sembler inexistant.

La nature de l'art a été décrite par le philosophe Richard Wollheim comme "l'un des problèmes les plus insaisissables de la culture humaine".[20] L’art a été défini comme un moyen d’exprimer ou de communiquer des émotions et des idées, un moyen d’explorer et d’apprécier éléments formels pour eux-mêmes, et comme mimétisme ou représentation. L'art en tant que mimesis est profondément enraciné dans la philosophie de Aristote.[21]Léon Tolstoï l’art identifié à utiliser des moyens indirects pour communiquer d’une personne à une autre.[21]Benedetto Croce et R.G. Collingwood avancé le idéaliste considérer que l'art exprime des émotions et que l'œuvre d'art existe donc essentiellement dans l'esprit du créateur.[22][23] La théorie de l’art en tant que forme trouve ses racines dans la philosophie de Kant, et a été développé au début du XXe siècle par Roger Fry et Clive Bell. Plus récemment, des penseurs influencés par Martin Heidegger ont interprété l'art comme le moyen par lequel une communauté développe pour elle-même un moyen d'expression et d'interprétation de soi.[24]George Dickie a offert un théorie institutionnelle de l'art qui définit une œuvre d'art comme tout artefact sur lequel une personne qualifiée ou des personnes agissant pour le compte de l'institution sociale, communément appelée "le monde de l'art"a conféré" le statut de candidat à l'appréciation ".[25] Larry Shiner a décrit l'art comme "non pas une essence ou un destin, mais quelque chose que nous avons fabriqué. L'art tel que nous l'avons généralement compris est une invention européenne d'à peine deux cents ans".[26]

L’art peut être caractérisé en termes de mimétisme (sa représentation de la réalité), narratif (narration), expression, communication de l'émotion ou d'autres qualités. Pendant le Période romantique, on en vint à considérer l'art comme "une faculté spéciale de l'esprit humain à classer avec la religion et la science".[27]


L'histoire




Les formes d'art documentées les plus anciennes sont arts visuels,[28] qui incluent la création d’images ou d’objets dans des domaines tels que la peinture, la sculpture, gravure, photographie et autres supports visuels. Des sculptures, peintures rupestres, peintures rupestres et pétroglyphes du Paléolithique supérieur datant d'environ 40 000 ans ont été trouvés,[29] mais la signification précise de cet art est souvent contestée parce que nous en savons si peu sur les cultures qui les ont produits. Les objets d’art les plus anciens du monde - une série de coquilles d’escargots minuscules et percées, vieilles de 75 000 ans environ - ont été découverts dans une grotte sud-africaine.[30] Des récipients pouvant servir à contenir des peintures remontent à 100 000 ans.[31] Coquillages gravés par l'homo erectus il y a 430 000 et 540 000 ans ont été découverts en 2014.[32]



De nombreuses grandes traditions artistiques sont fondées sur l'art de l'une des grandes civilisations anciennes: L'Egypte ancienne, Mésopotamie, Perse, Inde, Chine, Grèce antique, Rome, ainsi que Inca, Maya, et Olmec. Chacun de ces centres de la première civilisation a développé un style unique et caractéristique dans son art. En raison de la taille et de la durée de ces civilisations, de plus en plus d'œuvres d'art ont survécu et une plus grande partie de leur influence a été transmise à d'autres cultures et à d'autres époques. Certains ont également fourni les premiers enregistrements du fonctionnement des artistes. Par exemple, cette période de l'art grec a vu une vénération de la forme physique humaine et le développement d'habiletés équivalentes pour montrer la musculature, l'équilibre, la beauté et des proportions anatomiquement correctes.[33]

Dans byzantin et Art médiéval du moyen âge occidental, une grande partie de l'art se concentrait sur l'expression de sujets relatifs à la culture biblique et religieuse et utilisait des styles révélant la gloire d'un monde céleste, tels que l'utilisation de l'or à l'arrière-plan de peintures ou du fenêtres, qui présentaient également des figures idéalisées, à motifs (plats). Néanmoins, une tradition réaliste classique persistait dans les petites œuvres byzantines et le réalisme grandissait progressivement dans l'art de l'Europe catholique.[34]

Art de la Renaissance insiste beaucoup plus sur la représentation réaliste du monde matériel et sur la place de l'homme dans celui-ci, reflétée dans la corporalité du corps humain, et sur la mise au point d'une méthode systématique perspective graphique pour décrire la récession dans un espace d'image en trois dimensions.[35]



le Grande mosquée de Kairouan en Tunisie, également appelée la mosquée d'Uqba, est l'un des exemples artistiques et architecturaux les plus beaux, les plus significatifs et les mieux préservés des premières grandes mosquées. Daté du 9ème siècle dans son état actuel, il est l'ancêtre et le modèle de toutes les mosquées des terres islamiques occidentales.[36]

Dans l'est, Art islamiquele rejet de iconographie conduit à mettre l'accent sur motifs géométriques, calligraphie, et architecture.[37] Plus à l'est, la religion a également dominé les styles et les formes artistiques. L'Inde et le Tibet ont privilégié les sculptures peintes et la danse, tandis que la peinture religieuse empruntait de nombreuses conventions à la sculpture et privilégiait des couleurs vives et contrastées mettant l'accent sur les contours. La Chine a vu l’épanouissement de nombreuses formes d’art: la sculpture sur jade, le bronzage, la poterie armée de terre cuite de l'empereur Qin[38]), la poésie, la calligraphie, la musique, la peinture, le théâtre, la fiction, etc. Les styles chinois varient énormément d’une époque à l’autre et chacun porte traditionnellement le nom de la dynastie régnante. Donc, par exemple, Dynastie Tang peintures sont monochromes et rares, mettant en valeur des paysages idéalisés, mais Dynastie Ming les peintures sont occupées et colorées et se concentrent sur la narration d’histoires via des décors et des compositions.[39] Le Japon nomme également ses styles après les dynasties impériales et a également vu beaucoup d’interaction entre les styles de calligraphie et de peinture. Impression sur bois est devenu important au Japon après le 17ème siècle.[40]


Peinture par Dynastie de la chanson l'artiste Ma Lin, environ 1250. 24,8 × 25,2 cm

Le western Siècle des Lumières Au XVIIIe siècle, des représentations artistiques de certitudes physiques et rationnelles de l'univers horloger, ainsi que des visions politiquement révolutionnaires d'un monde post-monarchiste, telles que Blakela représentation de Newton comme un géomètre divin,[41] ou DavidLes tableaux de propagandistes. Cela a mené à Romantique les rejetons en faveur des images du côté émotionnel et de l’individualité de l’homme, illustrées dans les romans de Goethe. La fin du 19ème siècle a ensuite vu une foule de mouvements artistiques, tels que art académique, Symbolisme, impressionnisme et le fauvisme parmi d'autres.[42][43]

L’histoire de l’art du XXe siècle est un récit de possibilités infinies et de la recherche de nouveaux standards, chacun étant démoli l’un après l’autre. Ainsi, les paramètres de impressionnisme, Expressionnisme, Le fauvisme, Cubisme, Dadaïsme, Surréalisme, etc. ne peuvent pas être maintenus très longtemps au-delà du moment de leur invention. En augmentant global l'interaction pendant cette période a vu une influence équivalente des autres cultures dans l'art occidental. Ainsi, les gravures sur bois japonaises (elles-mêmes influencées par le travail de dessin de la Renaissance occidentale) ont eu une influence considérable sur l'impressionnisme et son développement ultérieur. Plus tard, Sculptures africaines ont été repris par Picasso et dans une certaine mesure par Matisse. De même, aux XIXe et XXe siècles, l’Occident a eu un impact considérable sur l’art oriental avec des idées occidentales telles communisme et Post-modernisme exercer une influence puissante.[44]

Modernisme, la recherche idéaliste de la vérité, a cédé la place, dans la seconde moitié du XXe siècle, à la réalisation de son irréalisabilité. Theodor W. Adorno En 1970, on disait: "Il est maintenant acquis que rien ne peut plus être considéré comme acquis: ni l'art lui-même, ni l'art en relation avec l'ensemble, ni même le droit d'exister de l'art."[45]Relativisme a été accepté comme une vérité inévitable, qui a conduit à la période de art contemporain et critique postmoderne, où les cultures du monde et de l’histoire sont perçues comme des formes changeantes, qui ne peuvent être appréciées et tirées qu’avec scepticisme et l'ironie. En outre, la séparation des cultures est de plus en plus floue et certains estiment qu'il est désormais plus approprié de penser en termes de culture globale plutôt qu'en termes de culture régionale.[46]

Dans L'origine de l'oeuvre d'art, Martin Heidegger, philosophe allemand et penseur fondateur, décrit l’essence de l’art en termes de concepts d’être et de vérité. Il soutient que l'art n'est pas seulement un moyen d'exprimer l'élément de vérité dans une culture, mais le moyen de le créer et de fournir un tremplin à partir duquel "ce qui est" peut être révélé. Les œuvres d'art ne sont pas simplement des représentations de l'état actuel des choses, elles produisent en réalité la compréhension partagée par une communauté. Chaque fois qu'une nouvelle œuvre d'art est ajoutée à une culture, la signification de son existence est fondamentalement modifiée.


Formes, genres, médias et styles




Les arts créatifs sont souvent divisés en catégories plus spécifiques, généralement en fonction de catégories perceptibles telles que médias, genre, modeset forme.[47]Forme d'art se réfère à la éléments d'art qui sont indépendants de son interprétation ou de sa signification. Il couvre les méthodes adoptées par l'artiste et le physique composition de l’œuvre, principalement des aspects non sémantiques de l’œuvre (c’est-à-dire figuré),[48] tel que Couleur, contour, dimension, moyen, mélodie, espace, texture, et valeur. Le formulaire peut également inclure principes de design visuel, comme un arrangement, équilibre, contraste, accentuation, harmonie, proportion, proximitéet le rythme.[49]

En général, il existe trois écoles de philosophie en matière d'art, axées respectivement sur la forme, le contenu et le contexte.[49] Extrême Formalisme est l’avis que toutes les propriétés esthétiques de l’art sont formelles (c’est-à-dire qu’elles font partie de la forme artistique). Les philosophes rejettent presque universellement ce point de vue et soutiennent que les propriétés et l'esthétique de l'art s'étendent au-delà des matériaux, des techniques et des formes.[50] Malheureusement, il existe peu de consensus sur la terminologie de ces propriétés informelles. Certains auteurs font référence à la matière et au contenu - c’est-à-dire dénotations et connotations - tandis que d'autres préfèrent des termes comme sens et importance.[49]

Intentionnalisme extrême soutient que intention de l'auteur joue un rôle décisif dans la signification d’une œuvre d’art, en transmettant le contenu ou l’idée principale essentielle, tandis que toutes les autres interprétations peuvent être écartées.[51] Il définit le sujet comme les personnes ou l’idée représentée,[52] et le contenu en tant qu'expérience de l'artiste sur ce sujet.[53] Par exemple, la composition de Napoléon Ier sur son trône impérial est en partie emprunté à la Statue de Zeus à Olympie. Comme en témoigne le titre, le sujet est Napoléonet le contenu est IngresLa représentation de Napoléon en tant que "empereur-Dieu au-delà du temps et de l'espace".[49] À l'instar du formalisme extrême, les philosophes rejettent généralement l'intentionnalisme extrême, car l'art peut avoir plusieurs significations ambiguës et l'intention de l'auteur peut être inconnaissable et donc non pertinente. Son interprétation restrictive est "socialement malsaine, philosophiquement irréelle et politiquement imprudente".[49]

Enfin, la théorie en développement de post-structuralisme étudie la signification de l'art dans un contexte culturel, tel que les idées, les émotions et les réactions suscitées par une œuvre.[54] Le contexte culturel se réduit souvent aux techniques et aux intentions de l'artiste. Dans ce cas, l'analyse se déroule selon des principes similaires à ceux du formalisme et de l'intentionnalisme. Cependant, dans d'autres cas, les conditions historiques et matérielles peuvent prédominer, telles que les convictions religieuses et philosophiques, les structures socio-politiques et économiques, voire le climat et la géographie. Critique d'art continue de croître et de se développer aux côtés de l'art.[49]


Compétence et artisanat




L’art peut exprimer un sens de la capacité formée ou de la maîtrise d’une moyen. L’art peut aussi simplement faire référence à l’utilisation développée et efficace d’une la langue transmettre le sens avec immédiateté et / ou profondeur. L'art peut être défini comme un acte d'expression de sentiments, de pensées et d'observations.[55]

Il existe une compréhension qui est atteinte avec le matériau à la suite de sa manipulation, ce qui facilite les processus de pensée.
Un point de vue commun est que le épithète "art", en particulier dans son sens élevé, requiert un certain niveau d'expertise créative de l'artiste, qu'il s'agisse d'une démonstration de compétence technique, d'une originalité dans une approche stylistique ou d'une combinaison des deux. Traditionnellement, les compétences d'exécution étaient considérées comme une qualité indissociable de l'art et donc nécessaire à son succès. pour Léonard de Vinci, l'art, ni plus ni moins que ses autres efforts, était une manifestation d'habileté.[56]RembrandtL'œuvre, aujourd'hui louée pour ses vertus éphémères, a été particulièrement admirée par ses contemporains pour sa virtuosité.[57] Au tournant du 20ème siècle, les performances adroites de John Singer Sargent ont été tour à tour admirés et regardés avec scepticisme pour leur aisance manuelle,[58] pourtant, à peu près au même moment, l'artiste qui allait devenir l'iconoclaste le plus reconnu et le plus péripatétique de l'époque, Pablo Picasso, achevait une formation académique traditionnelle au cours de laquelle il excellait.[59][60]



Une critique contemporaine commune de certains art moderne se manifeste par des objections au manque apparent d’habileté ou de capacité nécessaire à la production de l’objet artistique. Dans l'art conceptuel, Marcel Duchampest "Fontaine"est parmi les premiers exemples de pièces dans lesquelles l'artiste a utilisé des objets trouvés (" ready-made ") et n'a exercé aucun ensemble de compétences traditionnellement reconnues.[61]Tracey Eminde Mon lit, ou Damien Hirstde L'impossibilité physique de la mort dans l'esprit de quelqu'un de vivant suivez cet exemple et manipulez également les médias. Emin a dormi (et s'est livrée à d'autres activités) dans son lit avant de placer le résultat dans une galerie en tant qu'œuvre d'art. Hirst a conçu le design conceptuel de l'œuvre mais a laissé l'essentiel de la création éventuelle de nombreuses œuvres à des artisans. La célébrité de Hirst est entièrement fondée sur sa capacité à produire des concepts choquants.[62] La production réelle de nombreuses œuvres d'art conceptuelles et contemporaines est une question d'assemblage d'objets trouvés. Cependant, de nombreux artistes modernistes et contemporains continuent à exceller dans le dessin, la peinture et la création. pratique œuvres d'art.[63]


Objectif




L'art a eu un grand nombre de fonctions différentes au cours de son histoire, rendant son objectif difficile à résumer ou à quantifier selon un concept unique. Cela ne signifie pas que le but de Art est "vague", mais qu'il a eu de nombreuses raisons uniques et différentes pour être créé. Certaines de ces fonctions de l’art sont fournies dans l’esquisse suivante. Les différentes finalités de l'art peuvent être regroupées en fonction de celles qui sont non motivées et de celles qui sont motivées (Lévi-Strauss).[64]


Fonctions non motivées


Les buts non motivés de l'art sont ceux qui font partie intégrante de l'être humain, transcendent l'individu ou ne remplissent pas un but externe spécifique. En ce sens, l’art, en tant que créativité, est une chose que les humains doivent faire de par leur nature même (c’est-à-dire qu’aucune autre espèce ne crée de l’art) et n’est donc pas utile.[64]


  1. Instinct humain de base pour l'harmonie, l'équilibre, le rythme. L'art à ce niveau n'est pas une action ou un objet, mais une appréciation interne de l'équilibre et de l'harmonie (beauté), et donc un aspect de l'être humain au-delà de l'utilité.

    L'imitation est donc un instinct de notre nature. Ensuite, il y a l'instinct d'harmonie et de rythme, les mètres étant manifestement des sections de rythme. C'est donc à partir de ce don naturel que les personnes ont développé peu à peu leurs aptitudes particulières, jusqu'à ce que leurs improvisations grossières donnent naissance à la poésie. - Aristote[65]


  2. Expérience du mystérieux. L'art fournit un moyen de faire l'expérience de soi par rapport à l'univers. Cette expérience peut souvent devenir non motivée, car on apprécie l'art, la musique ou la poésie.

    La plus belle chose que nous puissions expérimenter est le mystérieux. C'est la source de tout art et de toute science. - Albert Einstein[66]


  3. Expression de l'imagination. L'art fournit un moyen d'exprimer l'imagination de manière non grammaticale sans être lié à la formalité du langage parlé ou écrit. Contrairement aux mots, qui se présentent sous forme de séquences et dont chacune a une signification définie, l’art fournit une gamme de formes, de symboles et d’idées avec des significations malléables.

    Aigle de Jupiter [as an example of art] n'est pas, comme les attributs logiques (esthétiques) d'un objet, le concept de sublimité et de majesté de la création, mais plutôt quelque chose d'autre - quelque chose qui donne à l'imagination un incitatif pour étendre son vol au-dessus d'une foule de représentations analogues qui provoquent davantage de réflexion qu'admet l'expression dans un concept déterminé par des mots. Ils fournissent une idée esthétique, qui sert l’idée rationnelle ci-dessus comme substitut de la présentation logique, mais ayant la fonction propre à animer l’esprit en lui ouvrant une perspective dans un champ de représentations analogues allant au-delà de sa nature. - Emmanuel Kant[67]


  4. Fonctions ritualistes et symboliques. Dans de nombreuses cultures, l’art est utilisé dans les rituels, les représentations et les danses en tant que décoration ou symbole. Bien que ceux-ci n'aient souvent pas de but utilitaire spécifique (motivé), les anthropologues savent qu'ils servent souvent un but au niveau de signification au sein d'une culture particulière. Ce sens n'est pas fourni par un individu en particulier, mais résulte souvent de plusieurs générations de changement et d'une relation cosmologique au sein de la culture.

    La plupart des érudits qui s’occupent de peintures rupestres ou d’objets récupérés de contextes préhistoriques qui ne peuvent pas être expliqués en termes utilitaires et sont donc classés dans les catégories décorative, rituelle ou symbolique, sont conscients du piège posé par le terme «art». - Silva Tomaskova[68]

Fonctions motivées


Les buts motivés de l'art se réfèrent à des actions intentionnelles et conscientes de la part des artistes ou des créateurs. Celles-ci peuvent consister à provoquer un changement politique, à commenter un aspect de la société, à exprimer une émotion ou un sentiment spécifique, à aborder la psychologie personnelle, à illustrer une autre discipline, à (avec les arts commerciaux), à vendre un produit, ou simplement en tant que forme. de communication.[64][69]


  1. La communication. L'art, dans sa forme la plus simple, est une forme de communication. Comme la plupart des formes de communication ont une intention ou un objectif dirigé vers une autre personne, il s'agit d'un objectif motivé. Les arts illustratifs, tels que l'illustration scientifique, sont une forme d'art en tant que communication. Les cartes sont un autre exemple. Cependant, le contenu ne doit pas nécessairement être scientifique. Les émotions, les humeurs et les sentiments sont également communiqués à travers l'art.

    [Art is a set of] des artefacts ou des images ayant une signification symbolique comme moyen de communication. - Steve Mithen[70]


  2. L'art comme divertissement. L’art peut chercher à susciter une émotion ou une humeur particulière dans le but de détendre ou de divertir le spectateur. C’est souvent la fonction des industries de l’art du film et des jeux vidéo.[71]

  3. L'Avante-Garde. Art pour le changement politique. L'une des fonctions déterminantes de l'art du début du vingtième siècle a été d'utiliser des images visuelles pour provoquer un changement politique. Les mouvements d'art qui avaient cet objectif -Dadaïsme, Surréalisme, Constructivisme russe, et Expressionisme abstrait, entre autres, sont collectivement appelés le avante-garde arts

    En revanche, l’attitude réaliste, inspirée par le positivisme, de saint Thomas d’Aquin à Anatole France, me paraît clairement hostile à tout progrès intellectuel ou moral. Je le déteste, car il est composé de médiocrité, de haine et de vanité. C’est cette attitude qui donne aujourd’hui naissance à ces livres ridicules, à ces jeux insultants. Il se nourrit et tire constamment sa force des journaux et blesse à la fois la science et l’art en flattant assidûment le plus petit des goûts; la clarté à la limite de la bêtise, la vie d'un chien. - André Breton (surréalisme)[72]


  4. L'art comme "zone franche", retiré de l'action de la censure sociale. Contrairement à la avant-garde mouvements, qui voulaient effacer les différences culturelles afin de produire de nouvelles valeurs universelles, art contemporain a renforcé sa tolérance aux différences culturelles ainsi que ses fonctions critiques et libératrices (enquête sociale, activisme, subversion, déconstruction, etc.) en devenant un lieu plus ouvert pour la recherche et l’expérimentation.[73]

  5. Art pour l'investigation sociale, la subversion et / ou l'anarchie. Bien que similaire à l'art du changement politique, l'art subversif ou déconstructiviste peut chercher à remettre en question des aspects de la société sans objectif politique spécifique. Dans ce cas, la fonction de l'art peut être simplement de critiquer un aspect de la société.
    Art de graffiti et d'autres types de art de rue sont des graphiques et des images qui sont peint au spray ou au pochoir sur des murs, des bâtiments, des bus, des trains et des ponts visibles au public, généralement sans autorisation. Certaines formes d'art, telles que les graffitis, peuvent également être illégales lorsqu'elles enfreignent les lois (dans ce cas, le vandalisme).

  6. Art pour des causes sociales. L'art peut être utilisé pour sensibiliser à une grande variété de causes. Un certain nombre d’activités artistiques visaient à sensibiliser les autisme,[74][75][76] cancer,[77][78][79]trafic d'êtres humains,[80][81] et une variété d'autres sujets, tels que la conservation des océans,[82] droits de l'homme dans Le Darfour,[83] femmes autochtones assassinées et disparues,[84] abus envers les aînés,[85] et la pollution.[86]Trashion, utilisant des ordures pour faire de la mode, pratiquée par des artistes tels que Marina DeBris est un exemple d'utilisation de l'art pour sensibiliser à la pollution.

  7. Art à des fins psychologiques et de guérison. L’art est également utilisé par les art thérapeutes, les psychothérapeutes et les psychologues cliniciens l'art-thérapie. le Série de dessins de diagnostic, par exemple, est utilisé pour déterminer la personnalité et le fonctionnement émotionnel d’un patient. Le produit final n'est pas l'objectif principal dans ce cas, mais plutôt un processus de guérison, par le biais d'actes créatifs, est recherché. L'œuvre d'art résultante peut également donner un aperçu des problèmes rencontrés par le sujet et suggérer des approches appropriées à utiliser dans des formes plus conventionnelles de traitement psychiatrique.[87]

  8. Art pour la propagande ou le commercialisme. L'art est souvent utilisé comme une forme de propagande et peut donc être utilisé pour influencer subtilement les conceptions ou les humeurs populaires. De la même manière, l’art qui essaie de vendre un produit influence également l’humeur et les émotions. Dans les deux cas, le but de l'art ici est de manipuler subtilement le spectateur pour lui donner une réponse émotionnelle ou psychologique particulière à l'égard d'une idée ou d'un objet particulier.[88]

  9. L'art comme indicateur de condition physique. Il a été avancé que la capacité du cerveau humain dépasse de loin ce qui était nécessaire à la survie dans l'environnement ancestral. Un psychologie évolutionnaire L’explication en est que le cerveau humain et les traits associés (comme la capacité artistique et la créativité) sont l’équivalent humain de la paonest la queue. On a soutenu que le but de la queue extravagante du paon était d’attirer les femelles (voir aussi Fugitif pêcheur et principe de handicap). Selon cette théorie, l'exécution artistique supérieure était importante pour l'évolution car elle attirait les compagnons.[89]

Les fonctions de l'art décrites ci-dessus ne s'excluent pas mutuellement, nombre d'entre elles pouvant se chevaucher. Par exemple, l’art à des fins de divertissement peut également chercher à vendre un produit, c’est-à-dire le film ou le jeu vidéo.


Accès publique


Versailles: Louis Le Vau ouvert la cour intérieure pour créer la vaste entrée cour d'honneur, copié plus tard dans toute l’Europe.

Depuis l’Antiquité, une grande partie de l’art le plus raffiné a représenté un affichage délibéré de richesse ou de pouvoir, souvent réalisé en utilisant des matériaux de grande envergure et coûteux. Une grande partie de l'art a été commandée par des dirigeants politiques ou des établissements religieux, avec des versions plus modestes réservées aux plus riches de la société.[90]

Néanmoins, il y a eu de nombreuses périodes où l'art de très haute qualité était disponible, en termes de propriété, dans de nombreuses couches de la société, surtout dans les médias bon marché tels que la poterie, qui persiste dans le sol, et les médias périssables tels que le textile et le bois. . Dans de nombreuses cultures différentes, le céramique des peuples autochtones des Amériques se trouvent dans un éventail de tombes si vaste qu’elles ne sont clairement pas limitées à un élite sociale,[91] bien que d'autres formes d'art aient pu l'être. Méthodes de reproduction telles que les moules facilité la production en série et ont été utilisés pour apporter des Poterie romaine antique et grec Figurines Tanagra à un marché très large. Joints de cylindre à la fois artistique et pratique, et très largement utilisé par ce que l’on peut appeler vaguement la classe moyenne dans le Ancien Proche-Orient.[92] Une fois que pièces de monnaie ont été largement utilisés, ils sont également devenus une forme d'art qui a touché le plus vaste éventail de sociétés.[93]

Another important innovation came in the 15th century in Europe, when gravure began with small gravures sur bois, mostly religious, that were often very small and hand-colored, and affordable even by paysans who glued them to the walls of their homes. Printed books were initially very expensive, but fell steadily in price until by the 19th century even the poorest could afford some with printed illustrations.[94]Popular prints of many different sorts have decorated homes and other places for centuries.[95]

Public buildings and monuments, secular and religious, by their nature normally address the whole of society, and visitors as viewers, and display to the general public has long been an important factor in their design. Egyptian temples are typical in that the most largest and most lavish decoration was placed on the parts that could be seen by the general public, rather than the areas seen only by the priests.[96] Many areas of royal palaces, castles and the houses of the social elite were often generally accessible, and large parts of the art collections of such people could often be seen, either by anybody, or by those able to pay a small price, or those wearing the correct clothes, regardless of who they were, as at the Palace of Versailles, where the appropriate extra accessories (silver shoe buckles and a sword) could be hired from shops outside.[97]

Special arrangements were made to allow the public to see many royal or private collections placed in galleries, as with the Orleans Collection mostly housed in a wing of the Palais Royal in Paris, which could be visited for most of the 18th century.[98] In Italy the art tourism of the Grand Tour became a major industry from the Renaissance onwards, and governments and cities made efforts to make their key works accessible. The British Royal Collection remains distinct, but large donations such as the Old Royal Library were made from it to the British Museum, established in 1753. The Uffizi dans Florence opened entirely as a gallery in 1765, though this function had been gradually taking the building over from the original civil servants' offices for a long time before.[99] The building now occupied by the Prado in Madrid was built before the French Revolution for the public display of parts of the royal art collection, and similar royal galleries open to the public existed in Vienna, Munich and other capitals. The opening of the Musée du Louvre pendant le French Revolution (in 1793) as a public museum for much of the former French royal collection certainly marked an important stage in the development of public access to art, transferring ownership to a republican state, but was a continuation of trends already well established.[100]

Most modern public museums and art education programs for children in schools can be traced back to this impulse to have art available to everyone. Museums in the United States tend to be gifts from the very rich to the masses. (The Metropolitan Museum of Art in New York City, for example, was created by John Taylor Johnston, a railroad executive whose personal art collection seeded the museum.) But despite all this, at least one of the important functions of art in the 21st century remains as a marker of wealth and social status.[101]


Performance by Joseph Beuys, 1978: Everyone an artist – On the way to the libertarian form of the social organism

There have been attempts by artists to create art that can not be bought by the wealthy as a status object. One of the prime original motivators of much of the art of the late 1960s and 1970s was to create art that could not be bought and sold. It is "necessary to present something more than mere objects"[102] said the major post war German artist Joseph Beuys. This time period saw the rise of such things as art de la performance, video art, et conceptual art. The idea was that if the artwork was a performance that would leave nothing behind, or was simply an idea, it could not be bought and sold. "Democratic precepts revolving around the idea that a work of art is a commodity impelled the aesthetic innovation which germinated in the mid-1960s and was reaped throughout the 1970s. Artists broadly identified under the heading of Conceptual art ... substituting performance and publishing activities for engagement with both the material and materialistic concerns of painted or sculptural form ... [have] endeavored to undermine the art object qua object."[103]

In the decades since, these ideas have been somewhat lost as the art market has learned to sell limited edition DVDs of video works,[104] invitations to exclusive performance art pieces, and the objects left over from conceptual pieces. Many of these performances create works that are only understood by the elite who have been educated as to why an idea or video or piece of apparent garbage may be considered art. The marker of status becomes understanding the work instead of necessarily owning it, and the artwork remains an upper-class activity. "With the widespread use of DVD recording technology in the early 2000s, artists, and the gallery system that derives its profits from the sale of artworks, gained an important means of controlling the sale of video and computer artworks in limited editions to collectors."[105]


Controversies



Art has long been controversial, that is to say disliked by some viewers, for a wide variety of reasons, though most pre-modern controversies are dimly recorded, or completely lost to a modern view. Iconoclasm is the destruction of art that is disliked for a variety of reasons, including religious ones. Aniconism is a general dislike of either all figurative images, or often just religious ones, and has been a thread in many major religions. It has been a crucial factor in the history of Islamic art, where depictions of Muhammad remain especially controversial. Much art has been disliked purely because it depicted or otherwise stood for unpopular rulers, parties or other groups. Artistic conventions have often been conservative and taken very seriously by art critics, though often much less so by a wider public. le iconographic content of art could cause controversy, as with late medieval depictions of the new motif of the Swoon of the Virgin in scenes of the Crucifixion of Jesus. le Last Judgment par Michelangelo was controversial for various reasons, including breaches of décorum through nudity and the Apollo-like pose of Christ.[106][107]

The content of much formal art through history was dictated by the patron or commissioner rather than just the artist, but with the advent of Romanticism, and economic changes in the production of art, the artists' vision became the usual determinant of the content of his art, increasing the incidence of controversies, though often reducing their significance. Strong incentives for perceived originality and publicity also encouraged artists to court controversy. Théodore Géricaultde Raft of the Medusa (c. 1820), was in part a political commentary on a recent event. Édouard Manetde Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), was considered scandalous not because of the nu woman, but because she is seated next to men fully dressed in the clothing of the time, rather than in robes of the antique world.[108][109]John Singer Sargentde Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), caused a controversy over the reddish pink used to color the woman's ear lobe, considered far too suggestive and supposedly ruining the high-society model's reputation.[110][111]

The gradual abandonment of naturalism and the depiction of realistic representations of the visual appearance of subjects in the 19th and 20th centuries led to a rolling controversy lasting for over a century. In the twentieth century, Pablo Picassode Guernica (1937) used arresting cubiste techniques and stark monochromatic oils, to depict the harrowing consequences of a contemporary bombing of a small, ancient Basque town. Leon Golubde Interrogation III (1981), depicts a female nude, hooded detainee strapped to a chair, her legs open to reveal her sexual organs, surrounded by two tormentors dressed in everyday clothing. Andres Serranode Piss Christ (1989) is a photograph of a crucifix, sacred to the Christian religion and representing Christ's sacrifice and final suffering, submerged in a glass of the artist's own urine. The resulting uproar led to comments in the United States Senate about public funding of the arts.[112][113]


Theory



Before Modernism, aesthetics in Western art was greatly concerned with achieving the appropriate balance between different aspects of realism or truth to nature et le idéal; ideas as to what the appropriate balance is have shifted to and fro over the centuries. This concern is largely absent in other traditions of art. The aesthetic theorist John Ruskin, who championed what he saw as the naturalism of J. M. W. Turner, saw art's role as the communication by artifice of an essential truth that could only be found in nature.[114]

The definition and evaluation of art has become especially problematic since the 20th century. Richard Wollheim distinguishes three approaches to assessing the aesthetic value of art: the Realist, whereby aesthetic quality is an absolute value independent of any human view; la Objectivist, whereby it is also an absolute value, but is dependent on general human experience; et le Relativist position, whereby it is not an absolute value, but depends on, and varies with, the human experience of different humans.[115]


Arrival of Modernism


Composition II in Red, Blue, and Yellow (1930) by Piet Mondrian (Dutch, 1872–1944)

The arrival of Modernism in the late nineteenth century lead to a radical break in the conception of the function of art,[116] and then again in the late twentieth century with the advent of postmodernisme. Clement Greenberg's 1960 article "Modernist Painting" defines modern art as "the use of characteristic methods of a discipline to criticize the discipline itself".[117] Greenberg originally applied this idea to the Abstract Expressionist movement and used it as a way to understand and justify flat (non-illusionistic) abstract painting:


Realistic, naturalistic art had dissembled the medium, using art to conceal art; modernism used art to call attention to art. The limitations that constitute the medium of painting—the flat surface, the shape of the support, the properties of the pigment—were treated by the Old Masters as negative factors that could be acknowledged only implicitly or indirectly. Under Modernism these same limitations came to be regarded as positive factors, and were acknowledged openly.[117]

After Greenberg, several important art theorists emerged, such as Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin et Griselda Pollock among others. Though only originally intended as a way of understanding a specific set of artists, Greenberg's definition of modern art is important to many of the ideas of art within the various art movements of the 20th century and early 21st century.[118][119]

Pop artists comme Andy Warhol became both noteworthy and influential through work including and possibly critiquing popular culture, as well as the monde de l'art. Artists of the 1980s, 1990s, and 2000s expanded this technique of self-criticism beyond high art to all cultural image-making, including fashion images, comics, billboards and pornography.[120][121]

Duchamp once proposed that art is any activity of any kind- everything. However, the way that only certain activities are classified today as art is a social construction.[122] There is evidence that there may be an element of truth to this. The Invention of Art: A Cultural History is an art history book which examines the construction of the modern system of the arts i.e. Fine Art. Shiner finds evidence that the older system of the arts before our modern system (fine art) held art to be any skilled human activity i.e. Ancient Greek society did not possess the term art but techne. Techne can be understood neither as art or craft, the reason being that the distinctions of art and artisanat are historical products that came later on in human history. Techne included painting, sculpting and music but also; cooking, medicine, équitation, géométrie, charpenterie, prophétie, and farming etc.[123]


New Criticism and the "intentional fallacy"


Following Duchamp during the first half of the twentieth century, a significant shift to general aesthetic theory took place which attempted to apply aesthetic theory between various forms of art, including the literary arts and the visual arts, to each other. This resulted in the rise of the New Criticism school and debate concerning the intentional fallacy. At issue was the question of whether the aesthetic intentions of the artist in creating the work of art, whatever its specific form, should be associated with the criticism and evaluation of the final product of the work of art, or, if the work of art should be evaluated on its own merits independent of the intentions of the artist.[124][125]

In 1946, William K. Wimsatt et Monroe Beardsley published a classic and controversial New Critical essay entitled "The Intentional Fallacy", in which they argued strongly against the relevance of an author's intention, or "intended meaning" in the analysis of a literary work. For Wimsatt and Beardsley, the words on the page were all that mattered; importation of meanings from outside the text was considered irrelevant, and potentially distracting.[126][127]

In another essay, "The Affective Fallacy," which served as a kind of sister essay to "The Intentional Fallacy" Wimsatt and Beardsley also discounted the reader's personal/emotional reaction to a literary work as a valid means of analyzing a text. This fallacy would later be repudiated by theorists from the reader-response school of literary theory. Ironically, one of the leading theorists from this school, Stanley Fish, was himself trained by New Critics. Fish criticizes Wimsatt and Beardsley in his essay "Literature in the Reader" (1970).[128]

As summarized by Gaut and Livingston in their essay "The Creation of Art": "Structuralist and post-structuralists theorists and critics were sharply critical of many aspects of New Criticism, beginning with the emphasis on aesthetic appreciation and the so-called autonomy of art, but they reiterated the attack on biographical criticisms's assumption that the artist's activities and experience were a privileged critical topic."[129] These authors contend that: "Anti-intentionalists, such as formalists, hold that the intentions involved in the making of art are irrelevant or peripheral to correctly interpreting art. So details of the act of creating a work, though possibly of interest in themselves, have no bearing on the correct interpretation of the work."[130]

Gaut and Livingston define the intentionalists as distinct from formalists stating that: "Intentionalists, unlike formalists, hold that reference to intentions is essential in fixing the correct interpretation of works." They quote Richard Wollheim as stating that, "The task of criticism is the reconstruction of the creative process, where the creative process must in turn be thought of as something not stopping short of, but terminating on, the work of art itself."[130]


"Linguistic turn" and its debate


The end of the 20th century fostered an extensive debate known as the linguistic turn controversy, or the "innocent eye debate", and generally referred to as the structuralism-poststructuralisme debate in the philosophy of art. This debate discussed the encounter of the work of art as being determined by the relative extent to which the conceptual encounter with the work of art dominates over the perceptual encounter with the work of art.[131]

Decisive for the linguistic turn debate in art history and the humanities were the works of yet another tradition, namely the structuralisme de Ferdinand de Saussure and the ensuing movement of poststructuralisme. In 1981, the artist Mark Tansey created a work of art titled "The Innocent Eye" as a criticism of the prevailing climate of disagreement in the philosophy of art during the closing decades of the 20th century. Influential theorists include Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault et Jacques Derrida. The power of language, more specifically of certain rhetorical tropes, in art history and historical discourse was explored by Hayden White. The fact that language is ne pas a transparent medium of thought had been stressed by a very different form of philosophy of language which originated in the works of Johann Georg Hamann et Wilhelm von Humboldt.[132]Ernst Gombrich et Nelson Goodman dans son livre Languages of Art: An Approach to a Theory of Symbols came to hold that the conceptual encounter with the work of art predominated exclusively over the perceptual and visual encounter with the work of art during the 1960s and 1970s.[133] He was challenged on the basis of research done by the Nobel prize winning psychologist Roger Sperry who maintained that the human visual encounter was not limited to concepts represented in language alone (the linguistic turn) and that other forms of psychological representations of the work of art were equally defensible and demonstrable. Sperry's view eventually prevailed by the end of the 20th century with aesthetic philosophers such as Nick Zangwill strongly defending a return to moderate aesthetic formalism among other alternatives.[134]


Classification disputes



Disputes as to whether or not to classify something as a work of art are referred to as classificatory disputes about art. Classificatory disputes in the 20th century have included cubiste et impressionniste paintings, Duchampde Fountain, the movies, superlative imitations of billets de banque, conceptual art, et jeux vidéos.[136] Philosopher David Novitz has argued that disagreement about the definition of art are rarely the heart of the problem. Rather, "the passionate concerns and interests that humans vest in their social life" are "so much a part of all classificatory disputes about art" (Novitz, 1996). According to Novitz, classificatory disputes are more often disputes about societal values and where society is trying to go than they are about theory proper. For example, when the Daily Mail critiqué Hirst's and Emin's work by arguing "For 1,000 years art has been one of our great civilising forces. Today, pickled sheep and soiled beds threaten to make barbarians of us all" they are not advancing a definition or theory about art, but questioning the value of Hirst's and Emin's work.[137] In 1998, Arthur Danto, suggested a thought experiment showing that "the status of an artifact as work of art results from the ideas a culture applies to it, rather than its inherent physical or perceptible qualities. Cultural interpretation (an art theory of some kind) is therefore constitutive of an object's arthood."[138][139]

Anti-art is a label for art that intentionally challenges the established parameters and values of art;[140] it is term associated with Dadaism and attributed to Marcel Duchamp just before World War I,[140] when he was making art from found objects.[140] One of these, Fountain (1917), an ordinary urinal, has achieved considerable prominence and influence on art.[140] Anti-art is a feature of work by Situationist International,[141] the lo-fi Mail art movement, and the Young British Artists,[140] though it is a form still rejected by the Stuckists,[140] who describe themselves as anti-anti-art.[142][143]

Architecture is often included as one of the visual arts; however, like the art décoratif, or advertising, it involves the creation of objects where the practical considerations of use are essential in a way that they usually are not in a painting, for example.[144]


Value judgment


Aboriginal hollow log tombs. National Gallery, Canberra, Australia

Somewhat in relation to the above, the word art is also used to apply judgments of value, as in such expressions as "that meal was a work of art" (the cook is an artist),[145] or "the art of deception", (the highly attained level of skill of the deceiver is praised). It is this use of the word as a measure of high quality and high value that gives the term its flavor of subjectivity. Making judgments of value requires a basis for criticism. At the simplest level, a way to determine whether the impact of the object on the senses meets the criteria to be considered art is whether it is perceived to be attractive or repulsive. Though perception is always colored by experience, and is necessarily subjective, it is commonly understood that what is not somehow aesthetically satisfying cannot be art. However, "good" art is not always or even regularly aesthetically appealing to a majority of viewers. In other words, an artist's prime motivation need not be the pursuit of the aesthetic. Also, art often depicts terrible images made for social, moral, or thought-provoking reasons. For example, Francisco Goya's painting depicting the Spanish shootings of 3rd of May 1808 is a graphic depiction of a firing squad executing several pleading civilians. Yet at the same time, the horrific imagery demonstrates Goya's keen artistic ability in composition and execution and produces fitting social and political outrage. Thus, the debate continues as to what mode of aesthetic satisfaction, if any, is required to define 'art'.[146][147]

The assumption of new values or the rebellion against accepted notions of what is aesthetically superior need not occur concurrently with a complete abandonment of the pursuit of what is aesthetically appealing. Indeed, the reverse is often true, that the revision of what is popularly conceived of as being aesthetically appealing allows for a re-invigoration of aesthetic sensibility, and a new appreciation for the standards of art itself. Countless schools have proposed their own ways to define quality, yet they all seem to agree in at least one point: once their aesthetic choices are accepted, the value of the work of art is determined by its capacity to transcend the limits of its chosen medium to strike some universal chord by the rarity of the skill of the artist or in its accurate reflection in what is termed the zeitgeist. Art is often intended to appeal to and connect with human emotion. It can arouse esthétique ou moral feelings, and can be understood as a way of communicating these feelings. Artists express something so that their audience is aroused to some extent, but they do not have to do so consciously. Art may be considered an exploration of the condition humaine; that is, what it is to be human.[148]


Voir également




Remarques



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External links

















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