le portrait intérieur (portrait d'intérieur) ou, en allemand, Zimmerbild (Photo de la salle), est un genre pictural apparu en Europe vers la fin du XVIIe siècle et qui connut une grande vogue dans la seconde moitié du XIXe siècle. Cela implique une représentation soignée et détaillée d'un espace de vie, sans aucun peuple. Ces peintures ont généralement été rendues comme aquarelles et exigeait une grande maîtrise technique, même si peu de créativité. Au milieu du XXe siècle, bien que de telles scènes soient encore créées, la photographie avait transformé ce style de peinture en une forme d'archaisme intentionnel.
Naissance du genre[[modifier]
Le portrait intérieur ne doit pas être confondu avec ce qu'on appelle un "morceau de conversation"en Angleterre; terme qui désigne une scène avec un groupe de personnes engagées dans une activité et souvent placées à l’extérieur. La véritable pièce de l’intérieur ne montre que la pièce et le décor, bien que l’activité précédente puisse être suggérée par le placement d’articles dans la pièce.
Ce type de scène apparaît pour la première fois vers la fin du 17ème siècle. À cette époque, l'intention était entièrement descriptive. Ils étaient généralement conçus pour montrer le contenu d’une galerie d’art, d’une bibliothèque personnelle ou cabinet de curiosités. Un des premiers exemples connus représente la bibliothèque de Samuel Pepys à Londres, datant de 1693. Ils sont toujours appréciés par les chercheurs et les décorateurs. Dans le cas de Pepys, on peut voir de première main comment un érudit de cette époque range ses livres dans une bibliothèque (une innovation à cette époque), utilise un lutrin, place des coussins pour son confort, accroche des cartes, etc.
Ce n'est qu'au cours du dernier quart du 18e siècle qu'un nouveau type de portrait d'intérieur ayant une intention différente a fait son apparition. Ce type est apparu pour la première fois dans des bureaux d’architecture et a été réalisé dans l’intérêt de leurs clients. Grands architectes tels que le James Adam et son frère Robert Adam de l'Ecosse et François-Joseph Bélanger exécuter des aquarelles de leurs projets précédents pour attirer les clients potentiels. Cela a créé une lubie parmi les riches et la noblesse de commander des peintures de leurs propres salles, de montrer et de préserver pour la postérité. Ces peintures ont souvent été compilées dans des albums. Cet engouement était particulièrement répandu en Angleterre. À partir de là, il s'est largement répandu dans toute l'Europe.
Apogée au 19ème siècle[[modifier]
Le premier exemple historiquement important de portrait intérieur représente une petite galerie d'art créée par le L'impératrice Joséphine à Malmaison en 1812. Dans cette aquarelle de Auguste-Siméon Garneray, on peut voir sa harpe, sa collection d’art et son châle laissés sur un fauteuil. Ainsi apparaît un nouvel élément: les éléments psychologiques du décor et une présence humaine palpable. On peut ressentir les émotions et les pensées du propriétaire. En ce sens, les peintures sont vraiment devenues des "portraits".[1]
L'immense popularité de ces peintures au 19ème siècle peut s'expliquer par de nombreux facteurs. Parmi les Nouveau Riche et le bourgeoisie, une grande importance a été accordée à la maison en tant que lieu de confort, d’intimité et de famille. Cette période a également été marquée par une spécialisation (par exemple des salles à manger séparées) qui n’était connue que des gens très riches. Ces nouvelles "classes moyennes" étaient également désireuses de copier les goûts aristocratiques et l'industrialisation rendait une gamme beaucoup plus large de meubles facilement accessible. Enfin, les styles décoratifs étant constamment modifiés et ressuscités, les portraits intérieurs sont un moyen de préserver ses souvenirs et de les léguer à la génération suivante.[2]
La reine victoria Elle aimait beaucoup ces portraits, car elle lui permettait de donner au public un aperçu de sa vie de famille aimante et du confort de son chez-soi.[3] L'engouement s'est ainsi répandu dans les familles royales d'Europe. En raison du nombre de palais somptueusement décorés qu'ils possédaient (Le palais d'hiver, Tsarskoïe Selo, Palais Gatchina, Peterhof Palace, Palais de Pavlovsk...), les tsars étaient parmi les commissaires les plus enthousiastes des portraits d'intérieur. Pratiquement toutes leurs chambres (sauf les plus privées) ont été rendues au moins une fois; certains plusieurs fois. Ces aquarelles sont considérées parmi les meilleures du genre.[4]
Artistes spécialisés[[modifier]
À une époque où chaque jeune femme cultivée a appris à peindre à l'aquarelle, beaucoup ont peint leur propre pièce ou celle où elles ont été apprises. La plupart des exemples survivants sont anonymes et rarement de grande qualité, mais ils ont souvent un charme qui compense leur manque d'expertise technique.[5][6]
Cependant, certains membres de l'aristocratie avaient un réel talent, à la limite du professionnel. Le comte polonais Artur Potockipar exemple, il a beaucoup voyagé, peignant des aquarelles des chambres d’hôtel et d’autres lieux où il a séjourné, de Rome à Londres.
Néanmoins, pratiquement toutes les œuvres de la plus haute qualité ont été réalisées par des professionnels dotés d’une virtuosité exceptionnelle des aquarelles et d’une maîtrise des techniques de l’aquarelle. la perspective... surtout conique, avec deux ou trois points de fuite, qui produit un effet étrangement photographique pour les yeux modernes.
À quelques exceptions près, telles que Jean-Baptiste Isabey et Eugène Lami de France, architecte John Nash et fabricant de meubles Thomas Sheraton (tous deux d'Angleterre), peu d'artistes qui se sont occupés exclusivement de ces portraits sont encore familiers aujourd'hui. Parmi les artistes notables qui les ont produits, non mentionnés précédemment:
- En Angleterre: William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
- En France: Charles Percier, Adrien Dauzats.
- En Allemagne: Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
- En Russie: Eduard Hau, Vasily Sadovnikov, Konstantin Ukhtomsky, Grigory Chernetsov, Nikanor Chernetsov (son frère), Alexander Brullov, Karl Brullov (son frère), Pyotr Sokolov, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov.
- En Pologne, Aleksander Gryglewski.
Expositions récentes[[modifier]
- House Proud: intérieurs à l'aquarelle du XIXe siècle de la collection Thaw, Musée national du design Cooper-Hewith (une division du Smithsonian, New York, 12 août 2008 - 25 janvier 2009
- Mario Praz - Scènes d'intérieurBibliothèque Marmottan, Boulogne-Billancourt20 novembre 2002 - 15 février 2003
Références[[modifier]
- ^ Une histoire illustrée de la décoration d'intérieur, de Pompéi à l'Art Nouveau par Mario Praz, Thames & Hudson, ISBN 0-500-23358-6
- ^ Archive d'exposition: Maison fière, Musée national du design Cooper-Hewitt, New York
- ^ La dernière reine: Victoria, 1819-1901 par Philippe Alexandre et Béatrix de l'Aulnoit, Robert Laffont, Paris 2000, ISBN 2-221-09064-0
- ^ dans Vues des palais impériaux des environs de Saint-Petersbourg, collectées sous la direction d’Emmanuel Ducamp, éditées par Alain de Gourcuff, Paris 1992, ISBN 2-909838-00-5
- ^ Charlotte Gere, L'époque et son style, la décoration intérieure au XIXe siècle, Flammarion, Paris 1989, ISBN 978-2-08-010971-2
- ^ Peter Thornton, Décor authentique: l'intérieur domestique 1620-1920, Weidenfeld & Nicolson, 1986, ISBN 0-297-83239-5
Lectures complémentaires[[modifier]
- Patrick Favardin, Scènes d'intérieur, Aquarelles des collections Mario Praz et Chigi, Norma, Paris 2002, ISBN 2-909283-73-9
- Patrick Mauriès, Alexandre Serebriakoff. portraitiste d'intérieursFranco Maria Ricci, Paris 1990, ISBN 978-88-216-2038-6
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