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Art Nouveau - Wikipedia

Yazar  October 31, 2018  Henüz yorum yok
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Art Nouveau (; Français: [aʁ nuvo]) est un organisme international style de l'art, de l'architecture et art appliqué, en particulier le art décoratif, qui a été le plus populaire entre 1890 et 1910.[1] Une réaction à la art académique du 19e siècle, il s’inspire de formes et de structures naturelles, en particulier des lignes courbes de plantes et de fleurs.

Anglais utilise le nom français Art Nouveau (nouvel art). Le style est lié aux styles qui sont apparus à peu près au même moment dans de nombreux pays d’Europe: en Autriche, on l’appelle Secessionsstil après Wiener Secession; en espagnol Modernisme; en catalan Modernisme; en tchèque Secese; en danois Skønvirke ou Jugendstil; en allemand Jugendstil, Art Nouveau ou Reformstil; en hongrois Szecesszió; dans l'art nouveau italien, Stile Liberty ou Stile Floreale; en lituanien Modernas; en norvégien Jugendstil; en polonais Secesja; en slovaque Secesia; en ukrainien et en russe Модерн (Moderne); en suédois et finnois Jugend.

L'Art Nouveau est un style artistique total: Il englobe un large éventail d’arts fins et décoratifs, dont l’architecture, la peinture, les arts graphiques, la décoration intérieure, les bijoux, meubles, textiles, céramiques, art du verre et travail des métaux.

En 1910, l'Art Nouveau était déjà démodé. Il a été remplacé comme style architectural dominant et décoratif européen d'abord par Art Déco et ensuite par Modernisme.[2][3]





Art Nouveau tire son nom de la Maison de l'Art Nouveau (Maison du nouvel art), une galerie d’art ouverte en 1895 par la firme franco-allemande marchand d'art Siegfried Bing qui a comporté le nouveau style. En France, l’Art nouveau était parfois appelé par le terme britannique "Modern Style" en raison de ses racines dans le Mouvement des arts et métiers, Style moderne, ou Style 1900.[4] On l'appelait aussi parfois Style Jules Verne, Le Style Métro (après les entrées de métro de fer et de verre de Hector Guimard), Art Belle Époque, et Art fin de siècle.[5]

En Belgique, où le mouvement architectural a commencé, on l’appelait parfois Style Nouille (style nouilles) ou Style coup de fouet (style whiplash).[5]

En Grande-Bretagne, il était connu comme le Style moderne, ou, en raison du mouvement Arts and Crafts dirigé par Charles Rennie Mackintosh à Glasgow, comme Style "Glasgow".

En Italie, en raison de la popularité des dessins de Londres Liberté & Cie grand magasin (principalement conçu par Archibald Knox), on l'appelait parfois le Stile Liberty ("Style Liberty"), Stile floral, ou Arte Nova (Art nouveau).

Aux États-Unis, en raison de son association avec Louis Comfort Tiffany, on l’appelait souvent le "style Tiffany".[3][3][4][4]

En Allemagne et en Scandinavie, un style apparenté a émergé à peu près au même moment; ça s'appelait Jugendstil, d'après le magazine d'art allemand populaire de ce nom.[5] En Autriche et dans les pays voisins, alors une partie de la Empire austro-hongrois, un style similaire a émergé, appelé Secessionsstil en allemand, (hongrois: szecesszió, tchèque: seconde) ou Wiener Jugendstil, après les artistes de la Sécession de Vienne.

Le style s'appelait Moderne (Модерн) en Russie et Nieuwe Kunst (art nouveau) aux Pays-Bas.[3][4] En Espagne, le style apparenté était connu sous le nom de Modernisme, Modernisme (en catalan), Arte Joven ("art jeune"); et au Portugal Arte Nova (art nouveau).

Certains noms font spécifiquement référence aux formes organiques populaires auprès des artistes de l’Art nouveau: Stile Floréal ("style floral") en France; Paling Stijl ("style anguille") aux Pays-Bas; et Wellenstil ("style de vague") et Lilienstil ("style lys") en Allemagne.[4]


L'histoire[[modifier]


Origines[[modifier]


Le nouveau mouvement artistique a ses racines en Grande-Bretagne, dans les motifs floraux de William Morriset dans le Mouvement des arts et métiers fondé par les élèves de Morris. Les premiers prototypes de ce style incluent la Maison rouge de Morris (1859) et le somptueux Chambre Paon par James Abbott McNeill Whistler. Le nouveau mouvement a également été fortement influencé par le Préraphaélite peintres, y compris Dante Gabriel Rossetti et Edward Burne-Joneset en particulier par les graphistes britanniques des années 1880, y compris Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert, et particulièrement Aubrey Beardsley.[6]

En France, le style combinait plusieurs tendances différentes. En architecture, il a été influencé par le théoricien et historien de l'architecture Eugène Viollet-le-Duc, ennemi déclaré de l'histoire Style architectural Beaux-Arts. Dans son livre de 1872 Entretiens sur l'architecture, a-t-il écrit, "utilise les moyens et les connaissances qui nous ont été donnés par notre époque, sans les traditions intermédiaires qui ne sont plus viables aujourd’hui, et nous pourrons ainsi inaugurer une nouvelle architecture. Pour chaque fonction, son matériau; pour chaque matériau, sa forme et son ornement "[7] Ce livre a influencé une génération d'architectes, notamment Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard, et Antoni Gaudí.

Les peintres français Maurice Denis, Pierre Bonnard et Édouard Vuillard a joué un rôle important dans l’intégration de la peinture des beaux-arts à la décoration. "Je crois qu’il faut avant tout décorer une peinture", écrivait Denis en 1891. "Le choix des sujets ou des scènes n’est rien. C’est par la valeur des tons, la surface colorée et l’harmonie des lignes que je peux atteindre l’esprit et réveiller les émotions. "[9] Ces peintres ont tous pratiqué à la fois la peinture traditionnelle et la peinture décorative sur des écrans, sur du verre et sur d’autres supports.

Une autre influence importante sur le nouveau style a été Le japonisme: la vague d'enthousiasme pour le japonais impression sur bois, en particulier les œuvres de Hiroshige, Hokusai, et Utagawa Kunisada qui ont été importés en Europe à partir des années 1870. L'entrepreneur Siegfried Bing fondé un journal mensuel, Le Japon artistique en 1888, et publié trente-six numéros avant sa fin en 1891. Il a influencé les collectionneurs et les artistes, y compris Gustav Klimt. Les traits stylisés des estampes japonaises sont apparus dans les graphismes Art nouveau, la porcelaine, les bijoux et les meubles.

Les nouvelles technologies d'impression et de publication ont permis à l'Art nouveau d'atteindre rapidement un public mondial. Magazines d'art illustrés de photographies et de couleurs lithographies, a joué un rôle essentiel dans la vulgarisation du nouveau style. Le studio En Angleterre, Arts et idèes et Art et décoration en France et Jugend en Allemagne a permis au style de se propager rapidement aux quatre coins de l’Europe. Aubrey Beardsley en Angleterre et Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec, et Félix Vallotton a acquis une reconnaissance internationale en tant qu’illustrateurs.

Avec les posters de Jules Cheret pour danseur Loie Fuller en 1893 et ​​par Alphonse Mucha pour actrice Sarah Bernhardt en 1895, l'affiche est devenue non seulement une publicité, mais une forme d'art. Toulouse-Lautrec et d'autres artistes ont atteint le statut de célébrité internationale.


Maison de l'Art Nouveau (1895)[[modifier]





  • Siegfried Bing artistes invités à montrer des œuvres modernes dans sa nouvelle Maison de l'Art Nouveau (1895)






Le marchand d'art et éditeur franco-allemand Siegfried Bing joué un rôle clé dans la diffusion du style. En 1891, il fonde un magazine consacré à l’art du Japon, qui contribue à faire connaître Le japonisme en Europe. En 1892, il organise une exposition de sept artistes, dont Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec et Eugène Grasset, qui comprenait à la fois de la peinture moderne et des travaux de décoration. Cette exposition a été présentée à la Société nationale des beaux-arts en 1895. La même année, Bing ouvre une nouvelle galerie à 22 rue de provence à Paris, le Maison de l'Art Nouveau, consacré aux nouvelles œuvres des beaux arts et des arts décoratifs. L'intérieur et le mobilier de la galerie ont été conçus par l'architecte belge Henry Van de Velde, l'un des pionniers de l'architecture Art Nouveau. le Maison de l'Art Nouveau a montré des peintures de Georges Seurat, Paul Signac et Toulouse-Lautrec, verre de Louis Comfort Tiffany et Emile Gallé, bijoux par René Laliqueet des affiches de Aubrey Beardsley. Les œuvres présentées n'étaient pas du tout d'un style uniforme. Bing écrivait en 1902: «L’Art Nouveau, au moment de sa création, n’a aucunement l’ambition de devenir un terme générique. C’est simplement le nom d’une maison ouverte comme point de ralliement pour tous les jeunes et les plus jeunes. artistes ardents impatients de montrer la modernité de leurs tendances. "


Début de l'architecture Art nouveau (1893-1898)[[modifier]


Les premières maisons Art nouveau, le Hôtel Tassel par Victor Horta et le Bloemenwerf maison par Henry Van de Velde, ont été construits à Bruxelles en 1893–1895. Horta et Van de Velde ont conçu non seulement les maisons, mais également toute la décoration intérieure, le mobilier, les tapis et les détails architecturaux.

Horta, architecte de formation classique, a conçu la résidence d'un éminent chimiste belge, Émile Tassel, sur un site très étroit et profond. L'élément central devenait l'escalier, sous une haute lucarne. Les planchers étaient soutenus par de fines colonnes de fer comme des troncs d'arbres. Les sols et les murs en mosaïque ont été décorés avec de délicates arabesques aux formes florales et végétales, qui sont devenues la signature la plus populaire de l’Art nouveau.

Van de Velde a été formé par un concepteur, pas un architecte, et a collaboré avec un architecte sur le plan de la Bloemenwerf, la maison qu'il s'est construite. Il s’inspira du mouvement britannique des arts et de l’artisanat, en particulier de la Maison rouge de William Morris, et, comme eux, il conçut tous les aspects du bâtiment, y compris le mobilier, le papier peint et les tapis.

Après avoir visité l'Hôtel Tassel de Horta, Hector Guimard construit le Castel Béranger, le premier immeuble parisien de style nouveau, entre 1895 et 1898. Les parisiens se plaignaient de la monotonie de l’architecture des boulevards construits sous Napoléon III par Georges-Eugène Haussmann. Ils ont accueilli le style coloré et pittoresque de Guimard; Le Castel Béranger a été choisi comme l'une des meilleures nouvelles façades de Paris pour lancer la carrière de Guimard. Guimard a été chargé de concevoir les entrées du nouveau Métro parisien système, qui a attiré l'attention des millions de visiteurs sur les 1900 Exposition Universelle.[5]


Paris Exposition universelle (1900)[[modifier]


Le Paris 1900 Exposition universelle marqué le point culminant de l'Art Nouveau. Entre avril et novembre 1900, il a attiré près de cinquante millions de visiteurs du monde entier et a présenté l’architecture, le design, la verrerie, le mobilier et les objets décoratifs du style. L’architecture de l’exposition est souvent un mélange d’Art Nouveau et de Architecture des beaux-arts: la salle d'exposition principale, la Grand Palais avait une façade Beaux-Arts complètement sans rapport avec le spectaculaire escalier Art Nouveau et la salle d'exposition à l'intérieur.

L’exposition a particulièrement mis en valeur les designers français, qui ont tous réalisé des œuvres spéciales pour l’exposition: Lalique cristal et bijoux; bijoux par Henri Vever et Georges Fouquet; Daum verre; la Manufacture nationale de Sèvres dans porcelaine; céramique par Alexandre Bigot; lampes et vases en verre sculpté de Emile Gallé et Louis Comfort Tiffanyet société des États-Unis; meubles par Édouard Colonna et Louis Majorelle; et de nombreuses autres entreprises d'art et d'artisanat de premier plan de toute l'Europe et du monde. À l'exposition parisienne de 1900, Siegfried Bing présenté un pavillon appelé Art Nouveau Bing, qui comportait six intérieurs différents entièrement décorés dans le style.[14][15]

Bien que l'Exposition de Paris soit de loin la plus importante, d'autres expositions ont largement contribué à populariser le style. le 1888 Exposition universelle de Barcelone a marqué le début de la Modernisme style en Espagne, avec quelques bâtiments de Lluís Domènech i Montaner. le Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna de 1902 à Turin, Italie, a présenté des designers de toute l’Europe.


Art Nouveau en France[[modifier]


Après l’exposition de 1900, la capitale de l’Art nouveau était Paris. Les résidences les plus extravagantes de ce style ont été construites par Jules Lavirotte, qui a entièrement recouvert les façades avec une décoration sculpturale en céramique. L’exemple le plus flamboyant est le Bâtiment Lavirotteau 29 avenue Rapp (1901). Les immeubles de bureaux et les grands magasins comportaient de hautes cours recouvertes de coupoles en verre teinté et de décorations en céramique. Le style était particulièrement populaire dans les restaurants et les cafés, y compris Maxim's à 3 rue Royale, et Le train bleu au Gare de Lyon (1900).

La ville de Nancy dans Lorraine est devenue l'autre capitale française du nouveau style. En 1901, le Alliance provinciale des industries d'art, également connu sous le nom de École de Nancy, a été fondée, vouée à bouleverser la hiérarchie qui a placé la peinture et la sculpture au-dessus des arts décoratifs. Les principaux artistes qui y travaillaient comprenaient les créateurs de vases en verre et de lampes Emile Gallé, la Daum frères dans la conception de verre, et le concepteur Louis Majorelle, qui a créé des meubles aux formes florales et végétales gracieuses. L'architecte Henri Sauvage apporté le nouveau style architectural à Nancy avec son Villa Majorelle en 1898.

Le style français a été largement diffusé par de nouveaux magazines, notamment Le studio, Arts et Idées et Art et Décoration, dont les photographies et les lithographies en couleurs ont fait connaître le style aux designers et aux clients fortunés du monde entier.

En France, le style atteignit son apogée en 1900 puis passa rapidement à la mode, disparaissant pratiquement de la France en 1905. Le style Art nouveau était un style de luxe, qui exigeait des artisans chevronnés et bien rémunérés, et ne pouvait pas être facile ou bon marché. -produit. Le flacon de parfum est l’un des rares produits de l’Art nouveau pouvant être fabriqué en série. Il continue à être fabriqué dans le style actuel.


Belgique, Pays-Bas et Suisse[[modifier]


La Belgique était l'un des premiers centres de l'Art Nouveau, en grande partie grâce à l'architecture de Victor Horta, qui a conçu les premières maisons Art nouveau, le Hôtel Tassel en 1893, et le Hôtel Solvay en 1894. Horta a rencontré et a eu une forte influence sur le travail des jeunes Hector Guimard. Autres architectes importants inclus architecte Paul Hankar, qui a construit une maison Art Nouveau en 1893; l'architecte et designer de meubles Henry van de Velde, le décorateur Gustave Serrurier-Bovyet le graphiste Fernand Khnopff.[17][18][19] Les designers belges ont profité d’une abondante offre de Ivoire importé du Congo belge; sculptures mixtes, associant pierre, métal et ivoire, réalisées par des artistes tels que Philippe Wolfers, était populaire.

Aux Pays-Bas, le style était connu sous le nom de Nieuwe Kunst, le nouvel art. Architectes inclus Hendrik Petrus Berlage, qui a conçu une variante plus fonctionnelle et rationnelle, tout en Carel Adolph Lion Cachet, Theo Nieuwenhuis et Gerrit Willem Dijsselhof conçu un style plus pittoresque et décoratif. La conception de meubles a été influencée par l’importation de bois exotiques des Indes orientales néerlandaises Indonésie), alors que les textiles étaient influencés par les dessins et techniques de batik.

Parmi les artistes suisses les plus en vue de cette période figuraient le peintre et le graphiste Théophile Steinlen, créateur de la célèbre affiche du Paris cabaret Le chat noir, et l'artiste, sculpteur et décorateur Eugène Grasset, qui a quitté la Suisse pour Paris, où il a conçu des graphiques, des meubles, des tapisseries, des céramiques et des affiches. À Paris, il a enseigné à la Guérin School of Art (École normale d'enseignement du dessin), où ses étudiants inclus Augusto Giacometti et Paul Berthon.[21][22]


Style moderne et école de Glasgow en Grande-Bretagne[[modifier]


L’Art nouveau trouve ses racines en Grande-Bretagne, dans le mouvement artisanal des années 1880, qui préconisait une union plus étroite entre les beaux-arts et les arts décoratifs, et une rupture des styles historiques avec des designs inspirés par la fonction et la nature. Un premier exemple notable Arthur MackmurdoLa conception de la couverture de son essai sur les églises de la ville de Sir Christopher Wren, publié en 1883.

Parmi les autres innovateurs importants en Grande-Bretagne figuraient les graphistes Aubrey Beardsley dont les dessins ont représenté les lignes courbes qui sont devenues la caractéristique la plus reconnaissable du style. écoulement libre fer forgé à partir des années 1880, on pourrait également citer des motifs textiles floraux plats, dont la plupart devaient leur élan aux motifs du XIXe siècle. Parmi les autres graphistes britanniques qui occupaient une place importante dans le style, citons: Walter Crane et Charles Ashbee.[23]

le Liberté Les grands magasins de Londres ont joué un rôle important grâce à ses motifs floraux colorés et stylisés pour les textiles et aux motifs en argent, en étain et en bijoux de Manxman (d'origine écossaise). Archibald Knox. Ses créations de bijoux en matériaux et en formes s’éloignent totalement des traditions historiques de la création de bijoux.

Pour l’architecture Art nouveau et le design de meubles, le centre le plus important de Grande-Bretagne était Glasgow, avec les créations de Charles Rennie Mackintosh et le École de Glasgow, dont le travail a été inspiré par l’Art nouveau français, l’art japonais, le symbolisme et le renouveau gothique. À partir de 1895, Mackintosh expose ses créations lors d'expositions internationales à Londres, à Vienne et à Turin. ses créations ont particulièrement influencé le style de la sécession à Vienne. Ses créations architecturales comprennent le Glasgow Herald Building (1894) et la bibliothèque du École d'art de Glasgow (1897). Il s'est également taillé une solide réputation en tant que designer et décorateur en mobilier, en étroite collaboration avec son épouse, Margaret Macdonald Mackintosh, peintre et designer de premier plan. Ensemble, ils ont créé des motifs saisissants associant des lignes droites géométriques à une décoration florale légèrement incurvée, en particulier un symbole célèbre du style. Rose de Glasgow ".

Léon-Victor Solon, a apporté une contribution importante à la céramique Art Nouveau en tant que directeur artistique à Mintons. Il s'est spécialisé dans les plaques et dans doublé de tube vases commercialisés comme "articles sécessionnistes" (généralement désignés par le nom du Mouvement artistique viennois).[25] Outre la céramique, il conçut des textiles pour le Industrie de la soie de poireau[26] et doublures reliure (G.T.Bagguley de Newcastle sous Lyme), qui a breveté le Sutherland contraignant en 1895.

L’immeuble Edward Everard à Bristol, construit entre 1900 et 01 pour abriter le travaux d'impression d'Edward Everard, présente une façade Art nouveau. Les figures représentées sont de Johannes Gutenberg et William Morris, tous deux éminents dans le domaine de l’impression. Une figure ailée symbolise "l'Esprit de la Lumière", tandis qu'une figure tenant une lampe et un miroir symbolise la lumière et la vérité.


Jugendstil en Allemagne[[modifier]


L'Art nouveau allemand est connu sous son nom allemand. Jugendstil. Le nom est tiré du journal artistique, Die Jugend, qui a été publié à Munich et qui a épousé le nouveau mouvement artistique. Il a été fondé en 1896 par Georg Hirth (Hirth est resté éditeur jusqu'à sa mort en 1916 et le magazine a continué à être publié jusqu'en 1940). Le magazine a joué un rôle déterminant dans la promotion du style en Allemagne. En conséquence, son nom a été adopté comme terme le plus commun en allemand pour le style: Jugendstil ("style de jeunesse"). Au début du XXe siècle, le mot n’a été appliqué qu’à des exemples en deux dimensions des arts graphiques,[27] surtout les formes de bio typographie et conception graphique trouvé dans et influencé par des magazines allemands comme Jugend, La poêle, et Simplicissimus, il s’applique maintenant à des manifestations plus générales des arts visuels Art nouveau en Allemagne, Pays-Bas, la Pays Baltes, et les pays nordiques.[3][28] Les deux principaux centres d’art allemand Jugendstil étaient Munich et Darmstadt (Mathildenhöhe).

Deux autres journaux, Simplicissimus, publié à Munich, et La poêle, publié à Berlin, s’est révélé être un important partisan du Jugendstil. Les magazines ont joué un rôle important dans la diffusion du langage visuel de Jugendstil, en particulier les qualités graphiques. L'art Jugendstil comprend une variété de méthodes différentes, appliquées par les différents artistes et comporte l'utilisation de lignes dures ainsi que de courbes sinueuses. Les méthodes vont du classique au romantique. L'une des caractéristiques de Jugendstil est la typographie utilisée, dont la combinaison lettre-image est indéniable. La combinaison a été utilisée pour des couvertures de romans, des publicités et exposition affiches. Les concepteurs ont souvent utilisé un affichage unique polices de caractères cela a fonctionné harmonieusement avec l'image.

Un des artistes allemands les plus célèbres associés à la fois Die Jugend et La poêle était Otto Eckmann. Son animal préféré était le cygne, et son influence sur le mouvement allemand fut telle que le cygne vint servir de leitmotiv pour le Jugendstil.

L’un des designers allemands les plus en vue dans le style était Richard Riemerschmid, qui fabriquait des meubles, de la poterie et d’autres objets de décoration dans un style géométrique et sobre, pointant vers l’Art déco.


Sécession de Vienne en Autriche[[modifier]



Vienne devint le centre d’une variante distincte de l’Art nouveau, connue sous le nom de Sécession de Vienne, un mouvement artistique fondé en avril 1897 par un groupe d'artistes comprenant Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil, et Otto Wagner. Le peintre Klimt est devenu le président du groupe. Ils ont objecté à l'orientation conservatrice envers l'historicisme exprimé par Vienna Künstlerhaus, l'union officielle des artistes. La Sécession a fondé un magazine, Ver Sacrum, pour promouvoir leurs œuvres sur tous les supports. Le style de la sécession était nettement plus féminin, moins lourd et moins nationaliste que le Jugendstil en Allemagne voisine. L'architecte Joseph Olbrich a conçu le bâtiment Secession en forme de dôme dans le nouveau style, qui est devenu une vitrine pour les peintures de Gustav Klimt et d'autres artistes de la Sécession. Le style architectural de la Sécession de Vienne a eu une influence bien au-delà de la ville. Des bâtiments de style sont apparus dans les autres grandes villes de l’Empire et au-delà; l'un des exemples les plus célèbres est le Stoclet Palace construit par Josef Hoffmann à Bruxelles en 1905-1911. L'intérieur est entièrement décoré dans le style de la Sécession, avec notamment des peintures remarquables de Gustav Klimt.

Klimt est devenu le plus connu des peintres de la Sécession, effaçant souvent la frontière entre la peinture artistique et la peinture décorative. Koloman Moser était un artiste extrêmement polyvalent dans le style; Son travail comprend des illustrations de magazines, de l'architecture, de l'argenterie, de la céramique, de la porcelaine, des textiles, des vitraux, des meubles, etc. Il a souvent travaillé en collaboration avec Hoffmann et Klimt; les trois ensemble ont créé les intérieurs, l'ameublement et même les vêtements à porter au Stoclet Palace à Bruxelles. En 1903, il fonde avec Hoffmann le Wiener Werkstätte, une école de formation et un atelier pour les concepteurs et artisans du mobilier, des tapis, des textiles et des objets de décoration.


Sécession en Europe centrale[[modifier]


Dans les capitales d’Europe centrale, alors gouvernées par le Empire austro-hongrois à Vienne, les formes nationales de l’Art nouveau apparaissent rapidement et prennent souvent des éléments historiques ou folkloriques. Les designs de meubles de Ödön Faragó dans Budapest (Hongrie) associe architecture populaire traditionnelle, architecture orientale et Art nouveau international dans un style très pittoresque. Pál Horti, un autre designer hongrois, avait un style beaucoup plus sobre et fonctionnel, fait de chêne avec de délicates traceries d’ébène et de laiton.

Prague, dans le République Tchèque, possède une collection remarquable d'architecture Art nouveau, y compris le Hôtel Central et le Synagogue du Jubilé, construit en 1908.

Le style combinant des éléments architecturaux de style Art nouveau et national était typique aussi slovaque architecte Dušan Jurkovič qui était sous l'influence de l'Art Nouveau hongrois. Ses œuvres les plus originales sont la Maison de la culture de Skalica dans Slovaquie (1905), bâtiments de spa à Luhačovice dans le République Tchèque (1901–1903) et 35 cimetières de guerre près de Nowy Żmigród dans Galice (maintenant la Pologne), la plupart d'entre eux fortement influencés par le local Lemko (Rusyn) art populaire et menuiserie (1915-1917). Un autre exemple d’architecture de sécession en Slovaquie est le Eglise Sainte Elisabeth (La petite église bleue) dans Bratislava.


Stile Liberty en Italie[[modifier]


De l'Italie Stile Liberty a pris son nom du grand magasin britannique Liberté, les textiles colorés étaient particulièrement populaires en Italie. Notables designers italiens inclus Galileo Chini, dont les céramiques ont été inspirées à la fois par majolique motifs et par Art Nouveau. Il a ensuite été connu en tant que peintre et designer de paysages; il a conçu les décors de deux opéras Puccini Gianni Schicchi et Turandot.

le Teatro Massimo dans Palerme, par l'architecte Ernesto Basile, est un exemple de la variante italienne du style, le style architectural, qui combinait des éléments Art Nouveau et classiques.

La figure la plus importante du design de mobilier Art Nouveau italien était Carlo Bugatti, fils d'un architecte et sculpteur, et frère du célèbre designer automobile. Il a étudié à la Académie milanaise de Breraet plus tard le Académie des Beaux-Arts dans Paris. Son travail se distinguait par son exotisme et son excentricité, incluant l'argenterie, les textiles, la céramique et les instruments de musique, mais ses créations de meubles novatrices, présentées lors du Salon des beaux-arts de Milan en 1888, sont particulièrement réputées pour lui. Ses meubles ont souvent été conçus avec un trou de serrure et des revêtements inhabituels, notamment du parchemin et de la soie, ainsi que des incrustations d'os et d'ivoire. Il y avait aussi parfois des formes organiques surprenantes, copiées après les escargots et les cobras.


Modernisme en Espagne, Arte Nova au Portugal[[modifier]


En Espagne, une variante très originale du style, le catalan Modernisme, apparaît dans Barcelone. Son créateur le plus célèbre était Antoni Gaudí, qui a utilisé les formes florales et organiques de l'Art Nouveau d'une manière très originale Palau Güell (1886).[34] Ses dessins d'environ 1903, le Casa Batlló (1904–1906) et Casa Milà (1906–1908), sont étroitement liés aux éléments stylistiques de l’Art Nouveau.[35] Cependant, des structures célèbres telles que le Sagrada Família contraste caractéristique des tendances modernistes Art Nouveau avec revivalist Néo-gothique.[35] Outre la présence dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner également utilisé Art Nouveau à Barcelone dans des bâtiments tels que le Castell dels Tres Dragons (1888), Palais de la musique catalane et Casa Lleó Morera (1905).[35] Un autre moderniste majeur était Josep Puig i Cadafalch, qui a conçu le Casa Martí et son café Quatre Gats, l’usine textile Casimir Casaramona (maintenant la CaixaFòrum musée d’art), Casa Macaya, Casa Amatller, le Palau del Baró de Quadras (abritant la Casa Àsia pendant 10 ans jusqu'en 2013) et la Casa de les Punxes ("Maison des Spikes"). Aussi bien connu est Josep Maria Jujol, avec des maisons dans Sant Joan Despí (1913-1926), plusieurs églises près de Tarragone (1918 et 1926) et la sinueuse Casa Planells (1924) de Barcelone. Quelques autres grands architectes travaillant en dehors de Barcelone étaient Lluís Muncunill i Parellada, avec une magnifique usine de textile à Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, maintenant le Musée de la science et de la technologie de Catalogne - Musée de la culture et de la technique de Catalogne) et une "ferme" / petit manoir appelé Masia Freixa dans la même ville; et Cèsar Martinell i Brunet, avec ses spectaculaires "cathédrales du vin", abritant des établissements vinicoles coopératifs dans le sud et le centre La Catalogne. UNE Valencien architecte qui a travaillé en Catalogne avant d'émigrer au États était Rafael Guastavino. On lui attribue l'usine de ciment Asland à Castellar de n'Hug, entre autres bâtiments.

Le designer de meubles catalan Gaspar Homar (1870-1953), influencé par Antoni Gaudí, associe souvent la marqueterie et la mosaïque à son mobilier. Exemples d'art nouveau (Arte Nova), largement inspiré du modèle français, est apparu au Portugal en Porto et Aveiro. Un exemple notable est leLivraria Lellolibrairie de Porto, conçu par Xavier Esteves (1906).


Jugendstil dans les pays nordiques[[modifier]


L'Art Nouveau était populaire dans le les pays nordiques, où il était généralement connu comme Jugendstil, et a souvent été combiné avec le Style romantique national de chaque pays. Dans Norvège l'Art Nouveau était lié à un renouveau inspiré par Viking art populaire et artisanat. Lars Kisarvik, concepteurs remarquables, a conçu des chaises en viking traditionnel et celtique modèles, et Gerhard Munthe, qui a conçu une chaise avec un emblème stylisé en tête de dragon inspiré d'anciens navires vikings, ainsi qu'une grande variété d'affiches, de peintures et de graphiques. D'autres exemples incluent le Eglise de Skien (1887-1894) et Eglise Fagerborg dans Kristiania (Oslo) (1900-1903).

Dans Finlande, les bons exemples sont les Gare centrale d'Helsinki, conçu par Eliel Saarinen, père du célèbre architecte moderniste américain Eero Saarinen. Des exemples de style incluent le Théâtre national finlandais, Eglise de Kallio, la Musée national finlandais, et Cathédrale de Tampere. Contrairement aux meubles très élaborés de l'Art nouveau norvégien, l'Art déco finlandais était extrêmement simple et fonctionnel, comme dans les chaises conçues par Eliel Saarinen (1907-1908).[38][39]


Monde de l'art en Russie[[modifier]


Une variante russe très colorée de l’Art nouveau est apparue à Moscou et Saint-Pétersbourg en 1898 avec la publication d'un nouveau journal d'art, "Мир искусства" (translittération: Mir Iskusstva) ("The World of Art"), par des artistes russes Alexandre Benois et Léon Bakstet rédacteur en chef Sergei Diaghilev. Le magazine a organisé des expositions d'artistes russes de premier plan, notamment Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan, et l'illustrateur de livre Ivan Bilibin. Le style World of Art utilise moins les formes végétales et florales de l’Art nouveau français; Il s’appuie largement sur les couleurs vives et les dessins exotiques du folklore russe et des contes de fées. La contribution la plus influente du "Monde de l'art" a été la création par Diaghilev d'une nouvelle compagnie de ballet, le Ballets Russes, dirigé par Diaghilev, avec des costumes et des décors conçus par Bakst et Benois. La nouvelle compagnie de ballet a été créée à Paris en 1909 et y a joué chaque année jusqu'en 1913. Les ensembles exotiques et colorés conçus par Benois et Bakst ont eu un impact majeur sur l'art et le design français. Les costumes et les décors ont été reproduits dans les principaux magazines parisiens, L'Illustration, La vie parisienne et Gazette du bon ton, et le style russe est devenu connu à Paris comme à la Bakst. La société a été bloquée à Paris d’abord par le déclenchement de la Première Guerre mondiale, puis par le révolution russe en 1917, et ironiquement jamais joué en Russie.[40]

Moscou et Saint-Pétersbourg plusieurs édifices Art nouveau de premier plan ont été construits au cours des dernières années avant la Révolution; notamment le Hôtel Metropol à Moscou, qui comporte une peinture murale en céramique sur la façade, La princesse des rêves, par le scénographe Mikhail Vrubel; et le Gare de Vitebsk à Saint-Pétersbourg (1904)


Tiffany Style aux États-Unis[[modifier]


Aux États-Unis, la firme de Louis Comfort Tiffany a joué un rôle central dans l'Art nouveau américain. Born in 1848, he studied at the National Academy of Design in New York, began working with glass at the age of 24, entered the family business started by his father, and 1885 set up his own enterprise devoted to fine glass, and developed new techniques for its coloring. In 1893, he began making glass vases and bowls, again developing new techniques that allowed more original shapes and coloring, and began experimenting with decorative window glass. Layers of glass were printed, marbled and superimposed, giving an exceptional richness and variety of color In 1895 his new works were featured in the Art Nouveau gallery of Siegfried Bing, giving him a new European clientele. After the death of his father in 1902, he took over the entire Tiffany enterprise, but still devoted much of his time to designing and manufacturing glass art objects. At the urging of Thomas Edison, he began to manufacture electric lamps with multicolored glass shades in structures of bronze and iron, or decorated with mosaics, produced in numerous series and editions, each made with the care of a piece of jewelry. A team of designers and craftsmen worked on each product. The Tiffany lamp in particular became one of the icons of the Art Nouveau, but Tiffany's craftsmen (and craftswomen) designed and made extraordinary windows, vases, and other glass art. Tiffany's glass also had great success at the 1900 Exposition Universelle in Paris; his stained glass window called the Flight of Souls won a gold medal.

Another important figure in American Art Nouveau was the architect Louis Sullivan, best known as the architect of some of the first American iron-framed skyscrapers. At the 1893 World's Columbian Exposition in Chicago, most famous for the neoclassical architecture of its renowned White City, he designed a spectacular Art Nouveau entrance to the Transportation Building. The Columbian Exposition was also an important venue for Tiffany; a chapel he designed was shown at the Pavilion of Art and Industry. The Tiffany Chapel, along with one of the windows of Tiffany's home in New York, are now on display at the Charles Hosmer Morse Museum of American Art dans Winter Park, Florida.


Form and character[[modifier]



Although Art Nouveau acquired distinctly localised tendencies as its geographic spread increased, some general characteristics are indicative of the form. A description published in Pan magazine of Hermann Obrist's wall hanging Cyclamen (1894) described it as "sudden violent curves generated by the crack of a whip", which became well known during the early spread of Art Nouveau.[42] Subsequently, not only did the work itself become better known as The Whiplash but the term "whiplash" is frequently applied to the characteristic curves employed by Art Nouveau artists.[42] Such decorative "whiplash" motifs, formed by dynamic, undulating, and flowing lines in a syncopated rhythm and asymmetrical shape, are found throughout the architecture, painting, sculpture, and other forms of Art Nouveau design.

The origins of Art Nouveau are sometimes attributed in the resistance of the artist William Morris to the cluttered compositions and the la relance tendencies of the 19th century and his theories that helped initiate the Arts and crafts movement.[43]Arthur Mackmurdo's book-cover for Wren's City Churches (1883), with its rhythmic floral patterns, is also sometimes described as the first realisation of Art Nouveau.[43] About the same time, the flat perspective and strong colors of Japanese wood block prints, especially those of Katsushika Hokusai, had a strong effect on the formulation of Art Nouveau.[44] le Japonisme that was popular in Europe during the 1880s and 1890s was particularly influential on many artists with its organic forms and references to the natural world.[44] Besides being adopted by artists like Emile Gallé et James Abbott McNeill Whistler, Japanese-inspired art and design was championed by the businessmen Siegfried Bing et Arthur Lasenby Liberty at their stores[45] in Paris and London, respectively.[44]


Doorway at 24 place Etienne Pernet, (Paris 15e), 1905 Alfred Wagon, architect.

In architecture, hyperboles et paraboles in windows, arches, and doors are common, and decorative moulures 'grow' into plant-derived forms. Like most design styles, Art Nouveau sought to harmonise its forms. The text above the Paris Metro entrance uses the qualities of the rest of the iron work in the structure.[46]

Art Nouveau in architecture and interior design eschewed the eclectic revival styles of the 19th century. Though Art Nouveau, designers selected and 'modernised' some of the more abstract elements of Rococo style, such as flamme et coquille textures, they also advocated the use of very stylised organic forms as a source of inspiration, expanding the 'natural' repertoire to use algue, les herbes, and insects. The softly-melding forms of 17th-century auricular style, best exemplified in Dutch silverware, was another influence.


Relationship with contemporary styles and movements[[modifier]



As an art style, Art Nouveau has affinities with the Pre-Raphaelites et le Symbolist styles, and artists like Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt et Jan Toorop could be classed in more than one of these styles. Unlike Symbolist painting, however, Art Nouveau has a distinctive appearance; and, unlike the artisan-oriented Arts and Crafts Movement, Art Nouveau artists readily used new materials, machined surfaces, and abstraction in the service of pure design.

Art Nouveau did not eschew the use of machines, as the Arts and Crafts Movement did. For sculpture, the principal materials employed were glass and wrought iron, resulting in sculptural qualities even in architecture. Ceramics were also employed in creating editions of sculptures by artists such as Auguste Rodin.[47]

Art Nouveau architecture made use of many technologique innovations of the late 19th century, especially the use of exposed iron and large, irregularly shaped pieces of glass for architecture.

Art Nouveau tendencies were also absorbed into local styles. Dans Denmark, for example, it was one aspect of Skønvirke ("aesthetic work"), which itself more closely relates to the Arts and Crafts style.[48][49] Likewise, artists adopted many of the floral and organic motifs of Art Nouveau into the Młoda Polska ("Young Poland") style in Poland.[50]Młoda Polska, however, was also inclusive of other artistic styles and encompassed a broader approach to art, literature, and lifestyle.[51]


Graphics[[modifier]


The graphic arts flourished in the Art Nouveau period, thanks to new technologies of printing, particularly color lithography which allowed the mass production of color posters. Art was no longer confined to galleries, museums and salons; it could be found on Paris walls, and in illustrated art magazines, which circulated throughout Europe and to the United States. The most popular theme of Art Nouveau posters was women; women symbolizing glamour, modernity and beauty, often surrounded by flowers.

In Britain, the leading graphic artist in the Art Nouveau style was Aubrey Beardsley (1872-1898). He began with engraved book illustrations for Le Morte d'Arthur, then black and white illustrations for Salome par Oscar Wilde (1893), which brought him fame. In the same year, he began engraving illustrations and posters for the art magazine The Studio, which helped publicize European artists such as Fernand Khnopff in Britain. The curving lines and intricate floral patterns attracted as much attention as the text.

The Swiss-French artist Eugène Grasset (1845-1917) was one of the first creators of French Art Nouveau posters. He helped decorate the famous cabaret Le Chat noir in 1885 and made his first posters for the Fêtes de Paris. He made a celebrated posters of Sarah Bernhardt in 1890, and a wide variety of book illustrations. The artist-designers Jules Chéret, Georges de Feure and the painter Henri de Toulouse-Lautrec all made posters for Paris theaters, cafés, dance halls cabarets. le tchèque artiste Alphonse Mucha (1860–1939) arrived in Paris in 1888, and in 1895 made a poster for actress Sarah Bernhardt in the play Gismonda par Victorien Sardou. The success of this poster led to a contract to produce posters for six more plays by Bernhardt. Over the next four years, he also designed sets, costumes, and even jewelry for the actress.[53][54] Based on the success of his theater posters, Mucha made posters for a variety of products, ranging from cigarettes and soap to beer biscuits, all featuring an idealized female figure with an hourglass figure. He went on to design products, from jewelry to biscuit boxes, in his distinctive style.

In Vienna, the most prolific designer of graphics and posters was Koloman Moser (1868-1918), who actively participated in the Secession movement with Gustav Klimt et Josef Hoffmann, and made illustrations and covers for the magazine of the movement, Ver Sacrum, as well as paintings, furniture and decoration.


Painting[[modifier]


Painting was another important domain of Art Nouveau, though most Art Nouveau painters were also associated with other art movements, particularly the Nabis in France and the Symbolists in France and Austria. In 1892, Siegfried Bing organized an exhibition in Paris featuring seven painters, including Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton, et Maurice Denis; et son Maison de l'Art Nouveau exhibited paintings by Georges Seurat, Paul Signac, et Henri de Toulouse-Lautrec. Eugène Grasset, Koloman Moser et Gustav Klimt moved comfortably in the avant-garde and Art Nouveau. In Belgium, Fernand Khnopff worked in both painting and graphic design. Paintings by Gustav Klimt were an integral part of he decorative scheme of Josef Hoffmann pour le Palais Stoclet. One common theme of both symbolist and Art Nouveau painters of the period was the stylized depiction of women. One popular subject was the American dancer Loie Fuller, portrayed by French and Austrian painters and poster artists.[57]


Glass art[[modifier]








  • Daum vase, France, (1900)







  • Lamp by Daum, France (1900)








  • Stained glass window Veranda de la Salle by Jacques Gruber (France)







  • Blown glass with flower design by Karl Koepping, Germany, (1896)











  • Jack-in-the-pulpit vase, Louis Comfort Tiffany, U.S. (1913)





Glass art was a medium in which Art Nouveau found new and varied ways of expression. Intense amount of experimentation went on, particularly in France, to find new effects of transparency and opacity: in engraving win cameo, double layers, and acid engraving, a technique which permitted production in series. The city of Nancy became an important center for the French glass industry, and the workshops of Emile Gallé et le Daum studio, led by Auguste and Antonin Daum, were located there. They worked with many notable designers, including Ernest Bussière, Henri Bergé, et Amalric Walter. They developed a new method of incrusting glass by pressing fragments of different color glass into the unfinished piece. They often collaborated with the furniture designer Louis Majorelle, whose home and workshops were in Nancy. Another feature of Art Nouveau was the use of stained glass windows with that style of floral themes in residential salons, particularly in the Art Nouveau houses in Nancy. Many were the work of Jacques Gruber, who made windows for the Villa Majorelle and other houses.

In Belgium, the leading firm was the glass factory of Val Saint Lambert, which created vases in organic and floral forms, many of them designed by Philippe Wolfers. Wolfers was noted particularly for creating works of symbolist glass, often with metal decoration attached. Dans Bohême, then a region of the Austro-Hungarian Empire noted for crystal manufacture, the companies Lobmeyr et Loetz-Witwe also experimented with new coloring techniques, producing more vivid and richer colors. In Germany, experimentation was led by Karl Köpping, who used blown glass to create extremely delicate glasses in the form of flowers; so delicate that few survive today.

In Vienna, the glass designs of the Secession movement were much more geometrical than those of France or Belgium; Otto Prutscher was the most rigorous glass designer of the movement.

In Britain, a number of floral stained glass designs were created by Margaret Macdonald Mackintosh for the architectural display called "The House of an Art Lover."

In the United States, Louis Comfort Tiffany and his designers became particularly famous for their lamps, whose glass shades used common floral themes intricately pieced together. Tiffany lamps gained popularity after the World's Columbian Exposition in Chicago in 1893, where Tiffany displayed his lamps in a Byzantine-like chapel. Tiffany experimented extensively with the processes of coloring glass, patenting in 1894 the process Favrile glass, which used metallic oxides to color the interior of the molten glass, giving it an iridescent effect. His workshops produced several different series of the Tiffany lamp in different floral designs, along with stained glass windows, screens, vases and a range of decorative objects. His works were first imported to Germany, then to France by Siegfried Bing, and then became one of the decorative sensations of the 1900 Exposition. An American rival to Tiffany, Steuben Glass, was founded in 1903 in Corning, NY, by Frederick Carder, who, like Tiffany, used the Fevrile process to create surfaces with iridescent colors. Another notable American glass artist was John La Farge, who created intricate and colorful stained glass windows on both religious and purely decorative themes.


Metal art[[modifier]


The 19th-century architectural theorist Viollet-le-Duc had advocated showing, rather than concealing the iron frameworks of modern buildings, but Art Nouveau architects Victor Horta et Hector Guimard went a step further: they added iron decoration in curves inspired by floral and vegetal forms both in the interiors and exteriors of their buildings. They took the form of stairway railings in the interior, light fixtures, and other details in the interior, and balconies and other ornaments on the exterior. These became some of the most distinctive features of Art Nouveau architecture. The use of metal decoration in vegetal forms soon also appeared in silverware, lamps, and other decorative items.

In the United States, the designer George Grant Elmslie made extremely intricate cast iron designs for the balustrades and other interior decoration of the buildings of Chicago architect Louis Sullivan.

While French and American designers used floral and vegetal forms, Joseph Maria Olbrich and the other Secession artists designed teapots and other metal objects in a more geometric and sober style.


Bijoux[[modifier]





  • Carved horn decorated with pearls, by Louis Aucoc (circa 1900)







  • Translucent enamel flowers with small diamonds in the veins, by Louis Aucoc (circa 1900)









  • Dragonfly Lady brooch by René Lalique, made of gold, enamel, chrysoprase, moonstone, and diamonds (1897–98)







  • Brooch with woman by René Lalique








  • Brooch of horn with enamel, gold and aquamarine by Paul Follot (1904–09)




Art Nouveau is characterized done by soft, curved shapes and lines, and usually features natural designs such as flowers, birds and other animals. The female body is a popular theme and is featured on a variety of jewelry pieces, especially cameos. It frequently included long necklaces made of pearls or sterling-silver chains punctuated by glass beads or ending in a silver or gold pendant, itself often designed as an ornament to hold a single, faceted jewel of améthyste, peridot, ou citrine.[62]

The Art Nouveau period brought a notable stylistic revolution to the jewelry industry, led largely by the major firms in Paris. For the previous two centuries, the emphasis in fine jewelry had been creating dramatic settings for diamonds. During the reign of Art Nouveau, diamonds usually played a supporting role. Jewelers experimented with a wide variety of other stones, including agate, grenat opale, pierre de lune, bleu vert and other semi-precious stones, and with a wide variety of new techniques, among others enameling, and new materials, including klaxon, molded glass, and Ivoire.

Early notable Paris jewelers in the Art Nouveau style included Louis Aucoc, whose family jewelry firm dated to 1821. The most famous designer of the Art Nouveau period, René Lalique, served his apprenticeship in the Aucoc studio from 1874 to 1876. Lalique became a central figure of Art Nouveau jewelry and glass, using nature, from libellules to grasses, as his model. Artists from outside of the traditional world of jewellery, such as Paul Follot, best known as a furniture designer, experimented with jewellery designs. Other notable French Art Nouveau jewellery designers included Jules Brateau and Georges Henry. In the United States, the most famous designer was Louis Comfort Tiffany, whose work was shown at the shop of Siegfried Bing and also at the 1900 Paris Exposition.

In Britain, the most prominent figure was the Liberty & Co. designer Archibald Knox, who made a variety of Art Nouveau pieces, including silver belt buckles. C. R. Ashbee designed pendants in the shapes of peacocks. The versatile Glasgow designer Charles Rennie Mackintosh also made jewellery, using traditional Celtic symbols. In Germany, the center for Jugendstil jewelry was the city of Pforzheim, where most of the German firms, including Theodor Fahrner, were located. They quickly produced works to meet the demand for the new style.
[62]


Architecture[[modifier]


Art Nouveau architecture was a reaction against the eclectic styles which dominated European architecture in the second half of the 19th century. It was expressed through decoration. The buildings were covered with ornament in curving forms, based on flowers, plants or animals: butterflies, peacocks, swans, irises, cyclamens, orchids and water lilies. Façades were asymmetrical, and often decorated with polychrome ceramic tiles. The decoration usually suggested movement; there was no distinction between the structure and the ornament.[64]

The style first appeared in Brussels' Hôtel Tassel (1894) and Hôtel Solvay (1900) of Victor Horta. The Hôtel Tassel was visited by Hector Guimard, who used the same style in his first major work, the Castel Béranger (1897–98). In all of these houses, the architects also designed the furniture and the interior decoration, down to the doorknobs and carpeting. In 1899, based on the fame of the Castel Béranger, Guimard received a commission to design the entrances of the stations of the new Paris Métro, which opened in 1900. Though few of the originals survived, These became the symbol of the Art Nouveau movement in Paris.

In Paris, the architectural style was also a reaction to the strict regulations imposed on building facades by Georges-Eugène Haussmann, the prefect of Paris under Napoleon III. Bow windows were finally allowed in 1903, and Art Nouveau architects went to the opposite extreme, most notably in the houses of Jules Lavirotte, which were essentially large works of sculpture, completely covered with decoration. An important neighborhood of Art Nouveau houses appeared in the French city of Nancy, around the Villa Majorelle (1901–02), the residence of furniture designer Louis Majorelle. It was designed by Henri Sauvage as a showcase for Majorelle's furniture designs.[65]


Furniture[[modifier]













  • Furniture set by Victor Horta in the Hôtel Aubeque in Brussels (1902-1904)








  • "Snail chair" and other furniture by Carlo Bugatti, Italy, (1902)







  • chair by Gaspar Homar, Spain (1903)








  • Adjustable armchair Model 670 "Sitting Machine" designed by Josef Hoffmann, Austria (1904–1906)




Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared.

In France, the center for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé et Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of marqueterie in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin et Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers. Other notable French designers included Henri Bellery-Desfontaines, who took his inspiration from the neo-Gothic styles of Viollet-le-Duc; et Georges de Feure, Eugène Gaillard, and Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for "abstract naturalism", its unity of straight and curved lines, and its rococo influence. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolism. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, et Alexandre Charpentier. In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century Rococo furniture were re-interpreted in a new style.[5]

In Belgium, the pioneer architects of the Art Nouveau movement, Victor Horta et Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. The Belgian designer Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H.P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Arts and Crafts movement, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.[67] Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens et le Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass-manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier style.

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudi et le Modernismo movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, New York, whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Celtic Art et Gothic art, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.


Ceramics[[modifier]












  • Vase by Alf Wallander, Sweden (1897)












  • Vase with vines and snails by Pál Horti, Hungary (1900)








  • Amphora with elm-leaf and blackberry manufactured by Stellmacher & Kessner






The last part of the 19th century saw many technological innovation in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) porcelain with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as oxblood glaze, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional grés methods and reinvented them with new motifs. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte et Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with ceramic tiles, many of them made by the firm of Alexandre Bigot, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look. In the Art Nouveau ceramics quickly moved into the domain of sculpture and architecture.

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou et Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Germany, and Doulton in Britain. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Edmond Lachenal, Albert Dammouse (fr) et Auguste Delaherche.[70]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf par Agathon Léonard, made for the Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

le Zsolnay factory dans Pécs, Hungary, was led by Miklós Zsolnay (1800–1880) and his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900,) with Tádé Sikorski (1852–1940) chief designer, to produce stoneware and other ceramics in 1853. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of éosine. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, then at the 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a Grand Prix. Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.[71]


Textiles and wallpaper[[modifier]


Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs oWilliam Morris had helped launch the Arts and Crafts Movement and then Art Nouveau. Many designs were created for the Liberty department store in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Silver Studio, which provided colorful stylized floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgow School, et Margaret Macdonald Mackintosh. The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylized eggs, geometric forms and the "Rose of Glasgow".

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the "whiplash" style based on flower stems, which became a major motif of the style. The Belgian Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d'Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin and of the Nabis. In the Netherlands, textiles were often inspired by batik patterns from the Dutch colonies in the East Indies. Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe et Frida Hansen in Norway. le Five Swans conception de Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.


See also[[modifier]


Références[[modifier]



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  43. ^ Lucie-Smith, 160



  44. ^ Edmond Lachenal and His Legacy, by Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; illustrated edition (25 February 2007)

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Bibliography[[modifier]


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  • Huyges, René, L'Art et le monde moderne, Volume 1, Librarie Larousse, Paris, 1970

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  • Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (in French). Flammarion.

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  • Texier, Simon (2012). Paris- Panorama de l'architecture. Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.

Further reading[[modifier]


External links[[modifier]












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